Die 25 besten Filme des Jahres 2023 (bisher)

Jul 22, 2023

Die bisher besten Filme des Jahres 2023 verstecken sich jedenfalls genau dort, wo sie normalerweise sind. Damit meine ich, dass die bekannte Kluft zwischen halbherzigen Blockbustern und exzellenten kleineren Filmen in großem Umfang zurückgekehrt ist. Alle anhaltenden Zögerlichkeiten oder Kostbarkeiten gegenüber den Filmen, die möglicherweise über dem Publikum hingen, nachdem die schlimmsten Momente der Pandemie die Kinos an den Rand des völligen Zusammenbruchs gebracht hatten, sind im Jahr 2023 verschwunden. Avatar hat uns zu den neuen Marvel-Filmen geführt, die uns bis zu Mario begleitet haben wurde Minionisiert. Und doch ist der Durchschnittsverbraucher, selbst wenn diese unausweichlichen Franchise-Unternehmen an den Kinokassen das Sagen haben, mehr denn je in Fragen der Produktion und des Vertriebs eingebunden. Streaming ist schon seit einiger Zeit in Schwierigkeiten, aber jetzt ist es so schlimm geworden, dass es die Leute auf der Straße bemerken. Es schadet nicht, dass die Autoren- und nun auch die Filmschauspielergilden streiken, damit sie bekommen, was sie verdienen. Während die größten Filme versuchen, zum Status quo zurückzukehren, ist es einfacher denn je, ihn abzulehnen und etwas anderes zu fordern.

Vielleicht bedeutet das, einen neuen Streamer auszuprobieren und Max oder Netflix durch MUBI oder Criterion zu ersetzen. Vielleicht bedeutet das, sich ein virtuelles oder persönliches Ticket für ein Filmfest zu sichern. Vielleicht bedeutet das, dass Sie genauso oft in das kleine Arthouse-Kino gehen, wie Sie mit den Kindern den neuesten Transformers-Film sehen. Welchen Weg Sie auch einschlagen, es erwarten Sie hervorragende Filme. Wir haben vielleicht noch nicht unseren Indie-Hit des Jahres wie Everything Everywhere All at Once, aber wir haben neue Filme von Ari Aster, Kelly Reichardt, Hong Sang-soo, M. Night Shyamalan und Alice Diop. Wir haben Debüts von aufregenden neuen Stimmen wie Celine Song, Manuela Martelli und Raine Allen-Miller. Wir haben einen neuen John Wick, einen neuen Spider-Vers und eine neue Möglichkeit, eine Pipeline in die Luft zu jagen. Filme sind gut, wenn man weiß, wo man suchen muss. Und wir wissen, wo wir suchen müssen.

So haben wir diese Liste der besten Filme des Jahres 2023 zusammengestellt, alphabetisch geordnet und bereit, Ihre Merkliste zu füllen. Dennoch haben wir eine ganze Reihe Festivalfilme weggelassen, von denen wir denken, dass es sich lohnt, sie aufzuspüren, wann immer sie verfügbar sind – Filme wie „Killers of the Flower Moon“, „May December“, „Problemista“, „Kokomo City“ und „All Dirt Roads Taste of Salt“. Entweder erregen diese Filme bereits allgemein große Aufmerksamkeit oder sie wurden von uns hochgejubelt, als sie in Cannes, Sundance oder SXSW herauskamen, aber für das allgemeine Publikum werden sie erst später in diesem Jahr verfügbar sein. Für diese müssen Sie hier bleiben und herausfinden, wie sich die Dinge Ende 2023 entwickeln. Was die Filme betrifft, die dieses Jahr bereits herausgekommen sind, lassen Sie sich von niemandem sagen, dass dies nicht der Fall ist großartige neue Filme zu machen, denn diese Liste ließ sich nur schwer auf nur 25 reduzieren.

Hier sind die 25 besten Filme des Jahres 2023 bisher:

AlcarràsErscheinungsdatum: 24. Februar 2023Regie: Carla SimónStars: Jordi Pujol Dolce, Anna Otin, Xènia Roset, Albert Bosch, Ainet JounouBewertung: NRLaufzeit: 120 Minuten

Die Familie Solé liegt oft ausgestreckt in ihrem Haus und flieht vor dem Stress der nicht enden wollenden Ernte. Simón bietet uns vor allem nie einen klaren Überblick über das Land der Familie, sondern fängt es in einer Reihe von Nahaufnahmen ein, unzusammenhängend und intim. Jeder Moment ist gebrochen und zeigt, wie ungleich die Familie geworden ist, verzweifelt versucht, den ständigen Stress zu vermeiden, der in diesem entscheidenden Moment jedes Gespräch überlagert. In einer besonders spannenden Szene massiert Dolors (Anna Otín) die Knoten aus dem Rücken des schroffen Patriarchen Quimet (Jordi Pujol Dolcet), während ihre Kinder ihre eigenen Aufgaben erledigen und um sie herumlaufen. Simón entscheidet sich dafür, sie in Einzelaufnahmen festzuhalten, ohne sich dabei zurückzuziehen, um sie in Beziehung zueinander zu setzen, sondern sie nur dann zu sehen, wenn sie im Hintergrund der Nahaufnahme eines anderen verweilen. Es handelt sich um einen sorgfältigen Aufbau, der den Wunsch der Familie nach Verbindung – geballt in einem geschlossenen Raum – und die Unfähigkeit, sich auf sinnvolle Weise zu verbinden, in Einklang bringt. –Anna McKibbin

Bist du da, Gott? It's Me, Margaret Erscheinungsdatum: 27. April 2023 Regie: Kelly Fremon Craig Darsteller: Abby Ryder Fortson, Rachel McAdams, Elle Graham, Benny Safdie, Kathy Bates Altersfreigabe: PG-13 Laufzeit: 111 Minuten

Wenn es im Chaos der Pubertät eine Gewissheit gibt, dann ist es, dass man sich missverstanden fühlen wird. Von deinen Freunden, deinen Geschwistern, deinem Sexuallehrer und vor allem von deinen Eltern missverstanden. Tatsächlich hat man, wenn man beginnt, diese lästigen körperlichen und emotionalen Veränderungen durchzumachen, unweigerlich das Gefühl, dass niemand auf diesem gottverlassenen Planeten nachempfinden kann, was man durchmacht – es sei denn, man hat das Glück, darüber zu stolpern ein Buch von Judy Blume. Angesichts der Bedeutung, die Blume für so viele Kinder und ehemalige Kinder hat, stellt die Verfilmung eines ihrer Werke eine Herausforderung dar. Ich freue mich jedoch, berichten zu können, dass Kelly Fremon Craigs Adaption des legendären Romans „Are You There, God?“ aus dem Jahr 1970 „It's Me“, liefert Margaret nahezu fehlerfrei. Margaret folgt der jungen Margaret Simon (Abby Ryder Fortson), deren Eltern Barbara (Rachel McAdams) und Herb (Benny Safdie) sie für ihr letztes Grundschuljahr an eine neue Schule in New Jersey verlegen. Margarets Reise der Selbstfindung ist ein faszinierender und befriedigender Anblick. Craig bringt Margaret in einem erfreulichen Tempo voran. Die sonnige, pastellfarbene Farbpalette, die pfiffige Komödie (eine Szene, in der Margaret und ihre Mutter über Trainings-BHs diskutieren, verdient einen Platz in der Comedic Timing Hall of Fame) und die ekstatischen Musikmontagen machen Margaret zu einer aufregenden, ekstatischen und zum Nachdenken anregenden Uhr. Während Craig Margarets Storytelling und Ton auf den Punkt bringt, würde dieser Film ohne die herausragende Hauptrolle des jungen Durchbruchs Fortson einfach nicht eine solche Eindringlichkeit und Empathie erreichen. Der angehende Star ist mühelos witzig und bringt einen atemberaubenden Grad an Reife in ihre Stimme. Wenn sie einen klugen, „erwachsenen“ Kommentar von sich gibt, hat sie das Gefühl, dass sie es wirklich meint und versteht, was sie sagt. Während Fortson das Rückgrat ist, das Margaret zusammenhält, ist sie nicht die einzige Schauspielerin, die etwas Entzückendes und Köstliches auf den Tisch bringt. Graham glänzt, indem er das gut gemeinte, gemeine Mädchen mit meisterhaftem körperlichen Humor und überraschender Zärtlichkeit spielt, während McAdams als Margarets emotionaler Kern in ihrer besten Hauptrolle seit langem fungiert. McAdams‘ großartige Leistung macht Craigs Verständnis für Blumes Buch noch deutlicher: Der Roman von 1970 war nie nur für junge Mädchen. Das war und ist für Generationen von Frauen so. Das ist das wahre Schöne daran. – Aurora Amidon

Beau Is AfraidErscheinungsdatum: 21. April 2023Regie: Ari AsterStars: Joaquin Phoenix, Patti LuPone, Nathan Lane, Amy Ryan, Kylie Rogers, Parker Posey, Stephen McKinley Henderson, Hayley Squires, Michael Gandolfini, Zoe Lister-Jones, Richard KindBewertung: RLaufzeit : 179 Minuten

Ich konnte viel von mir selbst in Joaquin Phoenix‘ ständig überreiztem Beau Wassermann wiedererkennen, der feststellt, dass die Welt, vor der er fürchtet, es wirklich auf ihn abgesehen hat. Es ist das Worst-Case-Szenario für den nebbischen Juden-Archetyp. „Beau Is Afraid“ ist so, als ob ein Woody-Allen-Protagonist die Figur Griffin Dunne in Martin Scorseses „After Hours“ wäre und die Handlung dieses Films mit existentialistischen Steroiden gepumpt wäre. Es ist eine paranoide, sexuell unterdrückte, labyrinthische Odyssee mit einem schlampigen Helden – ein bisschen wie „Under the Silver Lake“, ein weiterer Film, den der Verleiher A24 nicht ahnen konnte, wie er sein lautstarkes, hyper-online lebendes Teeny-Puppe-Publikum vermarkten sollte. Und wie „After Hours“ wirkt auch „Beau Is Afraid“ wie ein wirklich langer Witz. Für seinen dritten und ehrgeizigsten Film (ich mag den Vergleich mit Magnolia ungern) lehnt sich Aster ganz an den komischen Charakter an, den er in seinen scheinbar äußerst strengen ersten Spielfilmen, „Hereditary“ und „Midsommar“, zu zeigen pflegte. In Beau Is Afraid hat Aster trotz der einschüchternden Laufzeit von 179 Minuten eine leichtere, verspieltere Note. Aster kultiviert eine einzigartig absurde und aus dem Gleichgewicht geratene Welt, die von Produktionsdesignerin Fiona Crombie sorgfältig gestaltet wurde und in der die Motivationen der Charaktere unberechenbar, urkomisch und fragwürdig sind. In diesem seltsamen Universum (in dem der Zeitraum nie ganz klar oder unbedingt wichtig ist) gibt es für den armen Beau nie ein Gefühl der Sicherheit. Sogar das idyllische Einfamilienhaus in der Vorstadt, in dem ein sich erholender Beau untergebracht ist, nachdem er vom Lastwagen seines Besitzers angefahren wurde (ein bizarrer Vorfall, der auf einen weiteren bizarren Vorfall mit eindringenden Landstreichern und Beaus Badewanne folgte), ist ein eigenes, gepflegtes Haus des Schreckens. „Beau Is Afraid“ ist im Wesentlichen eine schwarze Komödie, die geschickte Horrortechniken einsetzt – Aster beherrscht die Spannung gut und liebt es, seine Kamera hin und her zu schwenken, um ein Gefühl der Verletzlichkeit zu erzeugen. Sogar Szenen, die tödlichen Ernst vorgeben, wirken absichtlich albern, wenn man einen Schritt zurücktritt und das Gesamtbild sieht, in einem Film, der im Grunde wie ein komplizierter Gag über die schlimmste Realität eines stereotypisch paranoiden Juden wirkt Mama-Probleme. Beau Is Afraid ist spannender als Asters Debüt- und Zweitfilme, und das nicht nur, weil er ehrgeiziger, etwas unhandlicher und drei Stunden lang ist. Es macht Sinn, dass ein Regisseur wie Aster seinen dritten Film zu einem ausgedehnten Epos machen würde – und sogar beeindruckende Animationssequenzen wechselnder Medien einbauen würde – nach dem Kopfrausch des anfänglichen Beifalls. Es ist bewundernswert, dass es entwaffnend, seltsam und zutiefst unseriös ist, als wollte es die Kritiker verunsichern, die ihn als das Gegenteil bezeichnet haben. Es funktioniert auch alles ziemlich gut. Es ist schwer zu sagen, ob Kritiker von Aster, erschöpft von Prestige-Horror-Schtick, von Beau Is Afraid auf die andere Seite gebracht werden. Es ist leicht, seinen Ton weiterhin für bare Münze zu nehmen. Aber man fragt sich, ob wir das die ganze Zeit fälschlicherweise getan haben. – Brianna Zigler

BlackBerryErscheinungsdatum: 12. Mai 2023Regie: Matt JohnsonStars: Glenn Howerton, Jay Baruchel, Matt Johnson, Michael Ironside, Cary Elwes, Rich Sommer, Saul Rubinek, SungWon ChoBewertung: RLaufzeit: 119 Minuten

Es gibt viel zu lieben an Matt Johnsons BlackBerry, und dann ist da noch die unbeschreibliche Anziehungskraft seines wütenden, weißglühenden Kerns: Die Glatze eines blassen Mannes um die 40, so glatt, dass sie durch Äonen tektonischer Bewegung geformt zu sein scheint, aus der sie perfekt hervorbricht Schmuddelige 80er-Jahre-Business-Bonmots, gemischt mit ungezügelter soziopathischer Wut. Johnson stand schon immer im Mittelpunkt seiner Filme, spielte in „The Dirties“ und „Operation Avalanche“ mit und fungierte als Quelle des größten Teils des Chaos in „Nirvanna the Band the Show“, seiner Serie mit Jay McCarrol, aber in „Blackberry“ spielt er Doug, einen Typen, der … existiert technisch gesehen gar nicht. Nein, Doug ist in „Blackberry“ nichts im Vergleich zu dem „Alles“ des Films, Glenn Howerton als Jim Balsillie, ein Gefäß für die alarmierende Stimme von Kanadas radioaktivstem Co-CEO. Leben verwelken unweigerlich in seiner Umlaufbahn. „Ich komme aus Waterloo, wo die VAM-PIRES rumhängen!“ Er brüllt einem Raum voller NHL-Führungskräfte zu, wobei jede Silbe so ausgesprochen wird, als ob der Satz durch Grabsteine ​​unterbrochen wäre. Basierend auf „Losing the Signal: The Untold Story Behind the Extraordinary Rise and Spectacular Fall of BlackBerry“ erzählt der Film vom Aufstieg und Fall des Taschengeräteherstellers, von seinen ausgebeuteten Anfängen Mitte der 90er Jahre als Idee der schüchternen, Der stets nach innen gerichtete Mike Lazaridis (Jay Baruchel) und sein bester Freund Doug bis hin zum Zusammenbruch des Unternehmens im Zuge des Aufkommens des iPhone (und mehr als einem SEC-Verstoß seitens Jim). Johnsons regelmäßiger Kameramann, Jared Raab, dreht den Film eher wie die Clinton-Dokumentation „The War Room“ von DA Pennebaker und Chris Hegedus als wie „The Social Network“, BlackBerrys unausweichlicher Vorgänger, aber Johnsons Ziel ist nicht weniger Ikarus-ähnlich: Ein historisches Stück über die Gründung zu machen eines transformativen und dramatisch tragischen Technologieunternehmens mit einer unnachahmlichen, schwarz-komischen Leistung im Mittelpunkt. – Dom Sinacola

Blinde Weide, schlafende FrauVeröffentlichungsdatum:14. April 2023Direktor:Pierre FöldesSterne:Kwon Hae-hyo, Lee Hye-young, Park Mi-so, Song Seon-miBewertung:NRLaufzeit:100 Minuten

Es gibt bereits mehrere wunderbar meditative, sorgfältig umgesetzte Adaptionen von Haruki Murakami-Kurzgeschichten – darunter „Burning“ des koreanischen Regisseurs Lee Chang-dong und „Drive My Car“, das mit dem Oscar 2021 ausgezeichnet wurde, von Ryusuke Hamaguchi – doch viele der berühmtesten Werke der japanischen Literaturikone gelten seit langem als ungeeignet für filmische Übersetzung. Dies hängt wahrscheinlich mit Murakamis Vorliebe zusammen, Elemente des magischen Realismus zu verwenden. Die lebendigen, oft fantastischen Szenen, die er durch Prosa schafft, könnten auf der Leinwand leicht unangenehm, unpassend oder einfach unbefriedigend wirken, selbst innerhalb der scheinbar grenzenlosen Möglichkeiten moderner VFX-Technologie. Durch die Adaption mehrerer Murakami-Kurzgeschichten mit besonders surrealen Elementen durch Animation in „Blind Willow, Sleeping Woman“ gelingt es dem Autor, Regisseur, Animator und Komponisten Pierre Földes, den mystischen Zug, der lose verbundene Handlungsstränge durchdringt, die sich nach dem Tōhoku-Erdbeben entfalten, eindrucksvoll herauszuarbeiten und der Tsunami, der 2011 Tokio heimsuchte. Der Film enthält sechs von Murakamis Kurzgeschichten aus drei separaten Sammlungen: „Der Elefant verschwindet“, „Nach dem Beben“ und „Blinde Weide, Schlafende Frau“. Sogar Gelegenheitsleser von Murakami werden erkennen, dass „The Wind-Up Bird Chronicle“, dessen (leicht verändertes) erstes Kapitel ursprünglich als „The Elephant Vanishes“ veröffentlicht wurde, ein wichtiger Bestandteil dieses Films ist. Es ist nicht der einzige Fokus, aber es beschwört auf üppige Weise viele spezifische Details herauf, von Komuras vermisster, verschwundener Katze bis hin zu der neugierigen jugendlichen Nachbarin, die ihm erlaubt, in ihrem Hinterhof zu campen. Obwohl sich der Film nur mit dem ersten Kapitel des Romans befasst, wie es in „Elephant“ vorkommt, kann man sich kaum einen anderen Film vorstellen, der sich mit „The Wind-Up Bird Chronicle“ beschäftigt und es schafft, die verschwommene, idyllische und doch überwältigende, ahnungsvolle Atmosphäre einzufangen, die „Blind Willow“ so wirkungsvoll schafft. Der Triumph und die Faszination von „Blind Willow, Sleeping Woman“ verdankt sich dem spezifischen Animationsstil, den Földes verwendet, einer visuell faszinierenden Kombination aus Motion Capture und 2D-Techniken. „Blind Willow, Sleeping Woman“ ist eine erfrischende Interpretation des Werks eines beliebten Autors. Es ist auch an sich schon ehrgeizig, vor allem, weil es auf die zuvor erwähnten Murakami-Adaptionen folgt, die große Anerkennung gefunden haben. – Natalia Keogan

Brooklyn 45 Erscheinungsdatum: 12. März 2023 Regie: Ted Geoghegan Darsteller: Anne Ramsay, Ron E. Rains, Jeremy Holm, Larry Fessenden, Ezra Buzzington, Kristina Klebe Bewertung: NR Laufzeit: 92 Minuten

Wenn Sie einen Beweis für die grenzenlose Kreativität im Horror-Genre suchen, sind Sie bei dem Gruselfilm mit nur einem Schauplatz genau richtig. Es ist nicht verwunderlich, dass Ted Geoghegan genau weiß, wie er diese Art von Film umsetzt, zumindest nicht, wenn man mit seinem früheren übernatürlichen Horrorfilm, dem bemerkenswerten We Are Still Here, vertraut ist. Auch wenn es sich bei diesem Film nicht um eine Handlung an einem einzelnen Schauplatz handelte, nutzte er die intime Umgebung und eine kleine Besetzung hervorragend aus, um eine bewegende, beängstigende Geschichte über Trauer, Bedauern und die allgegenwärtige Vergangenheit zu erzählen. „Brooklyn 45“ ermöglicht es Geoghegan, zu bekannten Themen und einem reduzierten Erzählgerüst zurückzukehren und gleichzeitig etwas ganz anderes als seinen früheren Horrorerfolg zu liefern. Ein historisches Stück, das teils ein Geheimnis aus verschlossenen Räumen, teils eine Geistergeschichte ist und allesamt ein Paradebeispiel für ein glorreiches Ensemble von Charakterdarstellern ist. Es ist ein weiterer Triumph des Horror-Storytellings an einem einzigen Ort – und ein Beweis dafür, dass Geoghegan gerade erst begonnen hat, uns zu zeigen, was er kann. Wie der Titel vermuten lässt, beginnt der Film in einer Dezembernacht im Jahr 1945 in Brooklyn. Der Zweite Weltkrieg ist vorbei, aber die Wunden dieses großen Kampfes sind noch sehr frisch, insbesondere in den Herzen und Köpfen der fünf Menschen, die sich gerade versammelt haben in einem wunderschönen Sandsteinhaus für ein bittersüßes Wiedersehen. Die langjährigen Freunde Marla (Anne Ramsay), Hock (Larry Fessenden), Archie (Jeremy Holm), Paul (Ezra Buzzington) und Marlas Ehemann Bob (Ron E. Rains) tragen alle Kriegsnarben, als sie Hocks elegantes Wohnzimmer betreten, aber Was sie noch nicht wissen, ist, wie tief diese Einschnitte wirklich sind. Einst ein überragender Heerführer und der Kitt ihrer Freundesgruppe, ist Hock zu einem von Trauer erfüllten Chaos geworden, das sich in Texten über die Kommunikation mit den Toten vertieft, um mit dem Verlust seiner Frau fertig zu werden. Mit diesen Ideen im Kopf und seinem inneren Kreis, der sich um ihn schart, schlägt er ein einfaches Ritual vor, um etwas Frieden zu finden: Schließen Sie die Salontüren ab, halten Sie eine Sitzung ab und versuchen Sie, Kontakt zu seiner Frau aufzunehmen. Dieser Aufbau – und die geradlinige Eleganz, mit der Geoghegan und Co. ihn dem Publikum präsentieren – ist so schön angelegt und einfach, dass er fast genauso gut wie ein Bühnenstück funktionieren könnte. Vielleicht mit dieser Idee im Hinterkopf hat der Filmemacher eine Besetzung engagierter, stets überzeugender Stars zusammengestellt, um den Salon für das Gespräch dieser Weihnachtszeit mit dem großen Jenseits zu füllen, und durch diese Besetzung baut Brooklyn 45 etwas auf, das größer ist als eine Version eines klassischen Gespensts Story-Aufbau. In diesem Film finden sich Anklänge an Hollywoods große Nachkriegsdramen und seine großartigen Geistergeschichten, was ihn zu einer überraschenden und oft ergreifenden Mischung aus „Die besten Jahre unseres Lebens“ und „Der Wechselbalg“ macht, und es ist bemerkenswert, dass Geoghegan in der Lage ist, diese Linie so zu gehen Nun ja. – Matthew Jackson

Chile '76 Erscheinungsdatum: 5. Mai 2023 Regie: Manuela Martelli Darsteller: Aline Küppenheim, Nicolás Sepúlveda, Hugo Medina, Alejandro Goic, Antonia Zegers, Marcial Tagle Bewertung: NR Laufzeit: 100 Minuten

Auch Jahrzehnte nach seinem Tod wird Alfred Hitchcocks Name immer noch instinktiv verwendet, um spannende Politthriller wie Manuela Martellis Spielfilmdebüt „Chile '76“ zu beschreiben. Der Film spielt drei Jahre nach dem Sturz von Salvador Allende durch Augusto Pinochet und ist 90 Minuten lang voller Unbehagen. Es ist das Produkt einer Nation, die zeitgemäß zu einer gebrochenen Parteipolitik neigt, als ob Martelli beabsichtigt, ihrem Publikum einen historischen Rückblick zu geben, um daran zu erinnern, was mit Demokratien passiert, wenn sie einen Fall von Hyperpolarisierung erleben. Das erste geeignete Qualifikationsspiel für Chile '76, nach dem jeder greifen sollte, ist „dringend“. Aber statt „Hitchcockian“ sollte das zweite Qualifikationsmerkmal „Pakulan“ lauten. Chile '76 hat dasselbe geschmeidige atmosphärische Empfinden wie die Filme von Alan J. Pakula; Martelli wurzelt ihre Handlung in einem Moment im Realismus, im nächsten im Surrealismus und schwankt zwischen scharfkantiger Authentizität und traumhafter Paranoia. Martelli ist Optimistin und glaubt, dass der Durchschnittsbürger, wenn er mit unwiderlegbaren Beweisen echter Tyrannei der Regierung konfrontiert wird, seinen Teil dazu beitragen wird, sich dem System zu widersetzen, auch wenn das bedeuten könnte, dass er von der Schlägertruppe des tyrannischen Präsidenten verschwinden muss. Die Sensation des Films hingegen ist Misstrauen, die unerbittliche und widerliche Vorstellung, dass man niemandem trauen kann. Ob der dröhnende elektronische Soundtrack oder die Fotografie von Soledad Rodríguez, die bis zum Ersticken komponiert ist, „Chile '76“ treibt diese Angst wie ein Messer ins Herz. – Andy Crump

How to Blow up a PipelineVeröffentlichungsdatum: 7. April 2023 Regie: Daniel Goldhaber Darsteller: Ariela Barer, Kristine Froseth, Lukas Gage, Forrest Goodluck, Sasha Lane, Jayme Lawson, Marcus Scribner, Jake Weary, Irene Bedard Bewertung: R Laufzeit: 100 Protokoll

In Andreas Malms Buch „How to Blow Up a Pipeline“ aus dem Jahr 2021 verwandelte sich sein Argument für mehr Klimaaktivismus in ein Argument für anderen Klimaaktivismus. Geld reicht nicht aus. Proteste gibt es auch nicht. Vielleicht wird es Sabotage sein. Seine Vitalität strömt wie ein Gegenmittel gegen den giftigen Nihilismus der Progressiven rund um die Klimakrise; Seine feurigen Punkte bedrohen die von den Konservativen eingesammelten knackigen Geldberge. Die atemberaubende Adaption des Filmemachers Daniel Goldhaber ist der beste Weg, Menschen für seine Sache zu gewinnen – egal, ob es sich um dunkelgrüne Umweltschützer oder spritfressende Republikaner im Senat handelt. Die Adaption einer Sachbuchabhandlung über die Grenzen des gewaltfreien Protests in eine spezifische, überfallähnliche Fiktion ist ein brillanter Schachzug von Goldhaber und seinen Co-Autoren Ariela Barer und Jordan Sjol. Durch die Umsetzung eines sorgfältig ausgearbeiteten Plans, der durch eine explosive und zwischenmenschliche Chemie zusammengehalten wird, entführt es uns in seine spannende, visualisierte Philosophie. „How to Blow Up a Pipeline“ ist nicht naiv genug, sich auf Optimismus zu verlassen, sondern sich stattdessen für eine Radikalisierung der Kompetenz zu entscheiden. Stellen Sie sich How to Blow Up a Pipeline wie eine Wortaufgabe vor. Das aufregendste Textproblem, das Sie sich vorstellen können, bei dem die beiden Züge, die den Bahnhof verlassen, in einem explosiven Stahlknurren zusammenstoßen und Ihre Lieben an Bord nur durch schnelles Denken und Teamwork gerettet werden. „How to Blow Up a Pipeline“ kontextualisiert seine Konzepte in Handlungen, damit wir sie besser verstehen, verinnerlichen und uns mit ihnen identifizieren können. Es geht kein Moment verloren, bis wir dorthin gelangen. Malms Kapitel („Learning from Past Struggles“, „Breaking the Spell“ und „Fighting Despair“) sind elegant umgesetzt, ihre hochrangigen Argumente werden in Charakter und Konversation vermenschlicht. Das Ensemble – angeführt von den studentischen Demonstranten Xochitl (Barer) und Shawn (Marcus Scribner), deren Plan den mürrischen einheimischen Bombenbauer Michael (Forrest Goodluck), das geile Crustpunk-Paar Rowan (Kristine Froseth) und Logan (Lukas Gage) auf organische Weise zusammenbringt, bis zum Ende Der kranke Theo (Sasha Lane) und ihre widerwillige Freundin Alisha (Jayme Lawson) sowie der desillusionierte Landbesitzer Dwayne (Jake Weary) sind farbenfroh gezeichnet und werden durch kluge, gut geschnittene Rückblenden ergänzt. Jeder hat seine Gründe, und wir stehen jedem zur Seite. Durch die Strukturierung der einfachen Handlung (eine gottverdammte Pipeline in die Luft jagen) als Zickzackmuster baut „How to Blow Up a Pipeline“ sein Team auf, ohne an Schwung zu verlieren. Es ist in seiner Planung genauso effizient und durchdacht wie seine Helden, und die Ergebnisse sind ebenso erfolgreich. Es ist genauso befriedigend wie jeder gute Bankjob, nur dass es den Unternehmen, die die Welt verbrennen wollen, ein bisschen mehr Zeit auf diesem Planeten raubt. Der Film reagiert nicht hoffnungslos, sondern kompetent auf eine Tragödie und ist kein verträumter oder wahnhafter Film. Es weiß, dass seine Sabotage nicht im luftleeren Raum stattfindet. Es versteht, dass Menschen verletzt werden. Was „How to Blow Up a Pipeline“ so großartig macht, ist, dass es uns ohnehin so geschickt für seine Sache gewinnt. Es ist absolut elektrisierendes Filmemachen. – Jacob Oller

Infinity-PoolVeröffentlichungsdatum:27. Januar 2023Direktor:Brandon CronenbergSterne:Alexander Skarsgård, Mia Goth, Cleopatra Coleman, Jalil LespertBewertung:RLaufzeit:117 Minuten

Herzschläge und Cumshots sind das A und O von Brandon Cronenbergs Urlaub in der White-Lotus-Hölle, wo die Touristen ihre Halsbänder lockern und ihr Echsengehirn loslassen. Das limbische System und die grundlegendsten biologischen Prozesse des Lebens dominieren Infinity Pool, den Abstieg des Filmemachers in eine schleimige, sexy, schreckliche Welt, in der der Tod nur ein weiteres Spiel für reiche Leute ist. Es ist eine Hit-and-Run-Satire auf westlichen Unsinn, der das Chaos beseitigt, das unsere zielstrebigen Oberschichten in anderen Kulturen anrichten, und die vorgetäuschte mystische Erleuchtung, die von Gurus und Idioten verbreitet wird – von denen, die zu reich sind, um echte Probleme zu haben, von denen, die danach streben Personen, die diesen Status erreichen, und diejenigen, die sich beides lukrativ zunutze machen. In diesem tropischen Versuch fließen sie für immer und ewig ineinander. Der Ego-Tod hat nichts mit Brandon Cronenbergs brillant verzerrtem Resort zu tun. Der baumelnde, saftige Köder ist nicht subtil: Ein scheinbar normales Paar, das von seltsamen (wahrscheinlich schwingenden) Europäern angesprochen wird, führt immer zu Ärger. Wir wären dumm, wenn wir Gabby (Mia Goth) und Al (Jalil Lespert) gegenüber nicht misstrauisch wären, wenn sie auf ihr entfremdetes Hotelkameradenpaar James (Alexander Skarsgård) und Em (Cleopatra Coleman) treffen. Einer von ihnen wird von Mia Goth gespielt, was ein sicheres Zeichen dafür ist, dass Sie schnell in Ihr Zimmer zurückkehren und das „Bitte nicht stören“-Schild umdrehen. Aber James ist ein Romanautor mit einem schlechten Buch (The Variable Sheath, ein fantastischer Fake-Titel), das nur veröffentlicht wurde, weil er die Tochter des reichen Verlegers geheiratet hat. Gabbys verkündete Fangemeinde streichelt den Teil seines Egos, der beinahe zusammengeschrumpft und zu Staub zerfallen ist – er ist schwach, er ist hungrig danach, er ist das perfekte Ziel. Wenn die Weißen den Einheimischen von Li Tolqa unweigerlich etwas unwiderruflich Schreckliches antun, ist ihre unvorbereitete Entfremdung von ihrer Kultur beunruhigend urkomisch. Sie sprechen die Sprache nicht und können die Formulare, die die Polizei von ihnen unterschreiben muss, nicht lesen. Aber es ist noch seltsamer. Brillantes Produktionsdesign, Location-Scouting und Kameraführung versetzen Sie in einen nächtlichen Freakout. Sich zu sehr mit dem auseinanderzusetzen, was genau in „Infinity Pool“ passiert, ist so, als würde man den umlaufenden Rand der den Horizont sprengenden Konstruktion des Titels skizzieren. Es wird die Freuden nicht beeinträchtigen, aber man kann es erst wirklich verstehen, wenn man darin steckt. Bis Cronenberg Sie durch eine unbeleuchtete Nebenstraße fährt, lange genug, dass Sie sich fragen, ob Sie träumen oder wach sind. Aber was an dieser Galgenkomödie am deutlichsten wird, ist, dass ihre Charaktere existieren. Die Leute, die glauben, sie hätten die Realität gelöst, die eingebildete Klasse mit dem Luxus, geil auf den Tod zu sein, weil der Tod für sie nie real war. Die inspirierte Kritik von Infinity Pool an dieser Menschenmenge ist heftig und lustig, ihre Halluzinationen sind flink und klebrig und es ist ein umfassender Albtraum, an den Sie sich erinnern werden, ohne die Urlaubs-Diashow hervorholen zu müssen. – Jacob Oller

John Wick: Kapitel 4 Erscheinungsdatum: 24. März 2023 Regie: Chad Stahelski Darsteller: Keanu Reeves, Donnie Yen, Ian McShane, Bill Skarsgård, Shamier Anderson, Clancy Brown, Laurence Fishburne, Hiroyuki Sanada, Rina Sawayama, Lance Reddick, Scott Adkins Bewertung: R Laufzeit: 169 Minuten

Zu Beginn von John Wick: Kapitel 4 unser titelgebender Baba Yaga – gespielt von Keanu Reeves nach einem Jahrzehnt als nahezu stummer Terminator-Mönch, sein Klostergewand ist ein feiner dreiteiliger kugelsicherer Anzug und seine Tonsur eine gefettete Mähne in der Farbe der Nacht – versteckt sich nach dem Cliffhanger von Kapitel 3 immer noch. Natürlich hat ihn ein immer höheres Kopfgeld nicht davon abgehalten, weiterhin viele Menschen zu ermorden, darunter auch den Ältesten (George Georgiou), der nicht derselbe Älteste aus Kapitel 3 ist, denn wie dieser neue Älteste erklärt, Er tötete den letzten Kerl und übernahm die Macht, wie es der Älteste vor diesem Kerl tat und der Älteste vor diesem Kerl es mit dem Kerl vor diesem Kerl tat. Die verworrene Hierarchie des John-Wick-Mordversums existiert nur, um sich zu vervielfachen und immer verworrener zu werden: In Kapitel 2 saß niemand über dem Hohen Tisch, außer, wie in Kapitel 3 eingeführt, dem Ältesten, der darüber und auch daneben sitzt, aber hat offenbar einige Probleme. So wie die Mitglieder der Hohen Tafel anfällig für soziopathische Geschwisterrivalität sind (siehe Kapitel 2), wird es immer einen weiteren Ältesten geben, den es zu töten, einen weiteren persönlichen Krieg zu führen und einen weiteren Handlanger gibt, dem man immer wieder ins Gesicht schießen muss. „Niemand, nicht einmal John Wick, kann jeden töten“, hören wir ehrfürchtig gesagt. Aber nein, er muss alle töten. Das ist es, was wir wollen und so endet es, wie John Wick frei sein kann: Er tötet die ganze Welt. Wenn Kapitel 3 unmittelbar nach Kapitel 2 begann und nie von seiner Videospielformel abwich, da die Level immer schwieriger wurden und die Bösewichte immuner gegen John Wicks Supermacht (Mord) wurden, dann ist Kapitel 4 der bislang bewussteste Einstieg der Reihe. Chad Stahelskis neuestes hypergewalttätiges Werk ist ein modernes Meisterwerk mythenbildenden Genusses und archetypischen Actionkinos. Stahelski und Reeves wissen, dass ihr Film Genres, Superstars, Models, Sänger, Oscar-Gewinner und Martial-Arts-Ikonen, DTV und Prestige gleichermaßen in sich vereinen muss; Konsumieren Sie sie und geben Sie ihnen Raum, um sie einem Franchise-Unternehmen zu opfern, das sie schätzt. Schauen Sie sich Donnie Yen an – der sich im Murderverse absolut zu Hause fühlt –, aber auch Hiroyuki Sanada und Rina Sawayama sowie Clancy Brown und Scott Adkins, letzterer mit einem langen, halsbrecherischen Versatzstück, das sowohl szenenfreudiger Wahnsinn als auch eine erwartete physische Leistung von Adkins darstellt . Es ist alles geduldig und alles fressend und mehr als lächerlich. Stahelski schwingt Körper, um sie zu gottähnlichen Zielen zu bringen. Alles auf dem Bildschirm ist großartig. Das ist es, was wir wollen: John Wick dabei zuzusehen, wie er die ganze Welt ermordet, für immer und ewig. Amen. – Dom Sinacola

Klopfen Sie an der HütteVeröffentlichungsdatum:3. Februar 2023Direktor:M. Night ShyamalanSterne:Dave Bautista, Jonathan Groff, Ben Aldridge, Nikki Amuka-Bird, Kristen Cui, Abby Quinn, Rupert GrintBewertung:RLaufzeit:100 Minuten

„Knock at the Cabin“ hat eine Wendung, die das Publikum nicht erwarten wird, schon allein deshalb, weil sie im Widerspruch zu dem steht, was die Leute über Regisseur M. Night Shyamalan erfahren haben. Es ist eine Wendung, aber das ist es nicht, aber es ist es, aber es ist es auch nicht. Aber in Knock at the Cabin – nach dem Roman „Die Hütte am Ende der Welt“ von Paul Tremblay – geht es weniger um das Ziel als vielmehr um die Reise. „Knock at the Cabin“ ist ein Film, der sich mit der häufigen Verwendung intimer, gedrehter/umgedrehter Nahaufnahmen beschäftigt. Der Film beginnt mit einem Gespräch zwischen Leonard (Dave Bautista) und Wen (Kristen Cui – keine Haley Joel Osment, aber ihr geht es größtenteils gut). Leonard trägt Bautistas imposante Figur, aber Bautista weiß mit sanfter Berührung mit sich selbst umzugehen. Er hat eine sanfte und warme Stimme und strahlt eine Zärtlichkeit aus, die an die eines großen Stofftiers erinnert. Begleitet von zwei Frauen, Adriane (Abby Quinn) und Sabrina (Nikki Amuka-Bird), und einem hitzköpfigen Mann namens Redmond (Rupert Grint, dessen erste Hauptrolle seit acht Jahren beweist, dass er eine Naturgewalt ist), Leonard und seine Gruppe Wen und ihre Adoptivväter Andrew (Ben Aldridge) und Eric (Jonathan Groff) dringen gewaltsam in die Airbnb-Unterkunft ein. Die Gruppen waren sich einig durch die gemeinsame Vision einer bevorstehenden Apokalypse, die das Ende der Menschheit herbeiführen wird, und die einzige Möglichkeit, sie zu stoppen, besteht darin, dass diese bestimmte Familie die Entscheidung trifft, freiwillig einen von sich zu opfern. „Knock at the Cabin“ ist vielleicht der schnellste 100-Minuten-Film, der jemals gedreht wurde. Von der ruhigen und meditativen Eröffnungssequenz an – dem letzten Moment der Normalität in Wens Leben – wird der Film mit einem Gefühl der Dringlichkeit vorangetrieben, das dem der Doomsday-Gruppe ähnelt. Selbst in ruhigen Momenten gibt es einen stetigen, angespannten und belebenden Schwung nach vorne. Wenn Sie ein Fan von Shyamalan sind oder einfach nur mit seinem Stil vertraut sind, sind Sie an „Dialoge, die echte Menschen nicht sagen würden“ und „Handlungen, die echte Menschen nicht ergreifen würden“ gewöhnt. Es ist eine von seinen Kritikern oft geäußerte Beschwerde über Shyamalans Filme, aber es handelt sich nicht um einen kreativen Mangel. Es ist nur ein Teil von Shyamalans filmischer Sprache, die in einer Art Unwirklichkeit funktioniert, die Geschichte, Emotionen und Thema über pedantische Logistik im Dialog stellt. An diesem Punkt sind Sie entweder dabei oder nicht. Und wenn ja, könnte „Knock at the Cabin“ als das beste Werk seiner Karriere angesehen werden. – Brianna Zigler

M3GANErscheinungsdatum: 6. Januar 2023 Regie: Gerard Johnstone Darsteller: Allison Williams, Violet McGraw, Amie Donald, Jenna Davis, Ronny Chieng, Brian Jordan Alvarez, Jen Van Epps Bewertung: PG-13 Laufzeit: 102 Minuten

Lange bevor M3GAN in die Kinos kam, wurde der titelgebende Cyborg des Films, den man am besten als eine Mischung aus Renesmee aus „Twilight“ (wenn sie eine wütende Sadistin war) und einem yassifizierten Baby Annette beschreiben kann, zu einer viralen Sensation. Wie durch ein Wunder gelingt es M3GAN, seiner spektakulären Werbung gerecht zu werden. (Obwohl dieser neue Triumph im Horrorcamp im Nachhinein nicht so überraschend sein sollte, da James Wan von Malignant und Akela Cooper, alias die Leute, die uns diese Szene erst letztes Jahr lieferten, gemeinsam an dem Film geschrieben haben.) Nachdem sie beide Eltern bei einem tragischen Autounfall verloren hat, zieht die junge Cady (Violet McGraw) zu ihrer Tante Gemma (Allison Williams), einer Robotikerin der Spielzeugfirma, die teilweise für PurrpetualPetz verantwortlich ist: Stofftiere, die unter anderem menschenähnliche Zähne haben Dinge, kacken. Gemma erkennt, dass sie nicht in der Lage ist, sich um ein Kind zu kümmern, und macht es sich zur Aufgabe, M3GAN – oder Model 3 Generative Android – fertigzustellen, einen Roboter, der speziell dafür entwickelt wurde, die treueste beste Freundin Ihres Kindes zu sein. Schon bald fängt M3GAN an, ihre „Beschütze Cady um jeden Preis“-Programmierung etwas zu wörtlich zu nehmen (wer hätte das schon ahnen können?), was zu einer Reihe düster-komischer Gewaltsequenzen führt – von denen eine möglicherweise etwas beinhaltet oder auch nicht die sprechende Puppe schwingt eifrig eine Nagelpistole. M3GAN ist mehr als nur ein weiterer solider Einstieg in dieses Horror-Subgenre. Ich könnte sogar so mutig sein zu sagen, dass es der neueste Horror-Camp-Klassiker und M3GAN eine der größten Horror-Ikonen der letzten Jahre ist. M3GAN perfektioniert auf wundersame Weise den Ton der Horrorkomödie und ist in der Lage, konsequent die Linie von „zu albern“ zu verfolgen – von M3GANs passiv-aggressivem, herablassendem und kränklich süßem Timbre (genagelt von Jenna Davis, dem „Penny Nickel Dime“-Mädchen aus Vine), zu ihrer zerlumpten blonden Perücke – ohne sie jemals wirklich zu überqueren. Letztendlich ist die beeindruckendste Leistung von M3GAN, dass es uns Filmfreaks genau das gibt, was wir wollen, ohne dabei auf Großartigkeit zu verzichten. Und ja, was wir wollen, ist eine Breakdance-Mörderpuppe. Ist das so ein Verbrechen? – Aurora Amidon

Eines AltersVeröffentlichungsdatum:17. Februar 2023Direktor:Goran StolevskiSterne:Elias Anton, Thom Green, Hattie HookBewertung:RLaufzeit:114 Minuten

Melancholische Erinnerungen an alte Flammen – und die spürbare romantische Intrige, die sie zuerst heraufbeschworen – werden in Of an Age, dem zweiten Spielfilm des mazedonisch-australischen Filmemachers Goran Stolevski, auf sinnliche filmische Höhen gehoben. Als etwas unerwartet zärtliche und sinnliche Fortsetzung seines Folk-Horror-Debüts You Won't Be Alone geht dieser Film weiter auf Themen wie erzwungene Assimilation, jugendliche Wachstumsschmerzen und den Akt, der Welt ständig andere Gesichter zu präsentieren, ein. Natürlich ist die queere Erfahrung an sich ein Zustand unaufhörlichen Gestaltwandels, bis man in der richtigen Haut landet – eine nahezu unmögliche Aufgabe für einen Teenager im australischen Melbourne der 90er Jahre, der mit homophoben Mitgliedern seiner serbischen Einwandererfamilie zusammenlebt . Wir schreiben das Jahr 1999 und der 17-jährige Turniertänzer Kol (Elias Anton) steht früh auf, um sich auf das lang erwartete Finalturnier später am Nachmittag vorzubereiten. Die Hoffnungen auf einen relativ stressfreien Morgen werden kurzerhand zunichte gemacht, als er einen verzweifelten Anruf von seiner besten Freundin und Tanzpartnerin Ebony (Hattie Hook) erhält, die nach einer harten Partynacht das Bewusstsein verliert und keine Ahnung hat, an welchem ​​Strand sie gestrandet aufgewacht ist . Während sie verzweifelt eine Karte konsultieren, während sie versuchen, einen Spielplan auszuarbeiten, beschließen die beiden schließlich, Ebonys älteren Bruder Adam (Thom Green) um heimliche Hilfe zu bitten, ohne ihre Mutter zu alarmieren. Er holt Kol in seiner entsprechend kastenförmigen Limousine ab, und nachdem sie sich auf der Fahrt kennengelernt haben, finden sie schließlich einen feuchten, sandigen Ebony, der in einer weit entfernten Telefonzelle sitzt. Kol hat praktisch keine Hoffnung, rechtzeitig zu seinem Tanzwettbewerb zurückzukehren, aber es scheint, dass er einen viel schöneren Trostpreis erhalten hat. Der Film ist von einer Art nostalgischer Haltung durchdrungen, die tendenziell in eine erschreckende Sentimentalität tendiert, doch hier wirkt die Beziehung zwischen Kol und Adam umso realistischer und wurzelt in der gelebten Erfahrung des Regisseurs. Während das Ende des Films etwas abrupt und kitschig wirkt, bietet „Of an Age“ phänomenale Leistungen und eine hervorstechende (wenn auch düstere) zentrale Wahrheit. Es ist nie ratsam, von zufälligen Heimkehren eine lebensverändernde Offenbarung zu erwarten, insbesondere wenn man sich von Anfang an nach einer flüchtigen Verbindung gesehnt hat. Am Ende siegt jedoch selten die Vernunft über Romantiker. Selbst nachdem ich diese filmische Übung zur Bewahrung des Rückblicks miterlebt habe, würde ich wetten, dass es keinem Zuschauer gelingt, seine eigenen Tendenzen, über die unendlichen Möglichkeiten vergangener Leidenschaften nachzudenken, erfolgreich zu beseitigen. – Natalia Keogan

Other People's Children Erscheinungsdatum: 21. April 2023 Regie: Rebecca Zlotowski Darsteller: Virginie Efira, Roschdy Zem, Chiara Mastroianni, Callie Ferreira-Goncalves, Michel Zlotowski, Yamée Couture, Victor Lefebvre Bewertung: NR Laufzeit: 104 Minuten

Die französische Regisseurin Rebecca Zlotowski geht das Thema einer „biologischen Uhr“ und den damit einhergehenden gesellschaftlichen Druck mit Anmut und Leichtigkeit an, zweifellos geprägt von ihrer eigenen Erfahrung als kinderlose Frau in ihren Vierzigern. Ihr Film Other People's Children konzentriert sich nicht nur auf eine Frau, die ihre Möglichkeiten abwägt, wenn es um die Aussicht auf Mutterschaft geht; Es veranschaulicht auch die unzähligen Möglichkeiten, wie wir echte, mitfühlende Bindungen zu Kindern aufbauen können – insbesondere zu solchen, die sich außerhalb der „Eltern“-Kennzeichnung verhalten. Die etwa vierzigjährige Rachel (eine umwerfende Virginie Efira) ist eine Gymnasiallehrerin in Paris, die allen Berichten zufolge ihr bestes Leben führt. Sie pflegt eine recht freundschaftliche Beziehung zu ihrem Ex-Mann (Henri-Noël Tabary), ist ihrem Vater (Michel Zlotowski, dem Vater des Filmemachers, der in einigen ihrer früheren Filme mitgewirkt hat) und ihrer Schwester Louana (Yamée Couture) ergeben und hat dies auch getan habe vor Kurzem begonnen, Gitarre spielen zu lernen. Während einer ihrer wöchentlichen Unterrichtsstunden geht sie schließlich mit Ali (Roschdy Zem) etwas trinken, einem Kommilitonen, dessen Anwesenheit Rebeccas perfekte Anwesenheit gefördert hat. Er bringt sie zum Lachen, sie verstehen sich und werden schließlich ein Liebespaar. Während ihre Beziehung eskaliert, erzählt Ali Rachel von seiner vierjährigen Tochter Leila (Callie Ferreira-Goncalves), für die er das alleinige Sorgerecht behält. Interessanterweise wurde Zlotowski selbst während der Dreharbeiten zu diesem Film unerwartet schwanger, eine Tatsache, die den zentralen Kampf von Other People's Children umso faszinierender und ergreifender macht. Witzig, offenherzig und ohne jemals eine fatalistische Sichtweise einzunehmen, vertieft sich „Other People's Children“ in das gesamte Spektrum menschlicher (wenn auch weitgehend weiblicher) Emotionen, die sich auf die zukünftige Elternschaft beziehen. Seine durch und durch französische Sensibilität (humorvolle Nacktheit, unnötige Aufnahmen des Eiffelturms und mehrere Café-/Bistroszenen) wird nur durch die jüdische Identität von Rachel und ihrer Familie gestärkt, doch die Beziehung zwischen ihr und dem stolzen Araber Ali dient nie als Grundlage für milquetoastische Beobachtungen der religiösen Unterschiede (Gott weiß, Europäer können diesen oft lauen Umfragen normalerweise nicht widerstehen). In Verbindung mit Audrey Diwans wichtigem Film Happening aus dem letzten Jahr schaffen französische Regisseurinnen einen notwendigen Kanon kinderfreier Weiblichkeit, Vergangenheit und Gegenwart, sicher und ungewiss. – Natalia Keogan

Past LivesVeröffentlichungsdatum: 2. Juni 2023 Regie: Celine Song Darsteller: Greta Lee, Teo Yoo, John Magaro Altersfreigabe: PG-13 Laufzeit: 106 Minuten

Teilweise nach Inyun benannt – einem koreanischen Konzept, das Schicksal, Absicht und Konsequenz umfasst, wie ein Schmetterlingseffekt, der die Reinkarnation überbrückt –, erinnert die bittersüße Liebesgeschichte von Past Lives an Longfellows Schiffe, die in der Nacht vorbeifahren. Nicht weil die jahrzehntelange Beziehung zwischen Nora von Greta Lee und Hae Sung von Teo Yoo belanglos wäre, sondern weil sie trotz ihrer Kürze und emotionalen Undurchsichtigkeit folgenreich ist. Es erinnert uns daran, dass es möglich ist, der Magie zu begegnen, die durch den Fluss alltäglicher Handlungen hervorgerufen wird, wenn wir entlang der ineinander verschlungenen Flüsse unseres Lebens mehrmals an Menschen vorbeikommen. Es erinnert uns daran, dass es ein Akt trotziger Beharrlichkeit ist, das eigene Leben an das eines anderen zu binden, um gemeinsam der Strömung zu trotzen. Basierend auf einer langen Tradition sehnsuchtsvoller Liebesromane und unter Beweis stellt die einzigartigen Fähigkeiten der Debütautorin/Regisseurin Celine Song in Bezug auf präzises Schreiben und feinfühlige Szenengestaltung, fließt „Past Lives“ mit Leichtigkeit von Jahrzehnt zu Jahrzehnt und umfasst Einwanderung, Erwachsenwerden und Kreativität romantische Langeweile – nur um zu einer herzzerreißenden Akzeptanz unserer exquisiten Unfähigkeit zu gelangen, alles zu haben. Nora ist nicht wirklich zwischen Ost und West gefangen, genauso wie sie nie wirklich zwischen ihrem Kindheitsschwarm Hae Sung und ihrem Ehemann Arthur (John Magaro) gefangen ist. Wann immer wir sie treffen – ob als Kind, kurz davor, Hae Sung und Korea hinter sich zu lassen, oder als Mittzwanziger, der sich über Skype mit ihm in Verbindung setzt, oder als verheiratete Frau, die seinen Besuch in New York moderiert – hat sie ihre Entscheidungen getroffen oder hatte sie für sie gemacht. Songs stärkster thematischer Schwerpunkt beim Navigieren durch die drei Akte des Films – Noras Kindheit, Einsamkeit, Wiedervereinigung, Verlust und Wiedervereinigung – ist, dass dies keine Ausnahme ist. Song schöpft aus eigener Erfahrung und einem ausgeprägten Gespür für Psychologie und schreibt kluge, zurückhaltende Gespräche wie in einer Schmuckschachtel. Sie können die zögerliche, wieder auflebende Unbeholfenheit von Yi Yi haben oder – dank eines effektiven Einsatzes von Frisur und Garderobe (sowie der Haltung und dem Verhalten der Hauptdarsteller) – die schlendernde Melancholie von Richard Linklaters Meditationen über den Lauf der Zeit. Aber sie alle ermöglichen Lee und Yoo (beide in Starauftritten) ruhige Tiefe. Past Lives ist ein kraftvolles und zartes Debüt, eine wunderschöne Halskette voller kristallisierter Erinnerungen. Seine Vorstellungen über Liebe und Zeit und wie sich das eine auf das andere auswirkt, sind einfach und gehen einem tief ins Herz. Es geht um all die potenziellen Menschen, die wir hätten sein können, und darum, dass keiner von ihnen so wichtig ist wie die Person, die wir sind – und die dumme Aufgabe, herauszufinden, was wir wären, wenn wir uns anders zusammenbasteln würden. Diese Möglichkeiten bleiben am besten in der Vergangenheit. „Past Lives“ kündigt Song nicht nur als brillanten Beobachter von Dialogen, Interaktionen und Ton an, sondern ist auch ein auffallend romantischer Film darüber, was unser Leben ausmacht. Wir sind die Entscheidungen, die wir treffen, und die Entscheidungen, die andere für uns treffen. Aber wir sind auch die Sammlung der Verbindungen, die wir knüpfen, lebendige Schiffslogbücher, die gewissenhaft aufgezeichnet werden. Jede erneute Begegnung ist ein kleines Wunder, und jede erste Begegnung hat dieses Potenzial. Und in jedem kann Liebe stecken, wie kurz auch immer. – Jacob Oller

Rye LaneVeröffentlichungsdatum:31. März 2023Direktor:Raine Allen-MillerSterne:David Jonsson, Vivian Oparah, Simon Manyonda, Benjamin Sarpong-Broni, Poppy Allen-QuarmbyBewertung:NRLaufzeit:82 Minuten

Ein Teil der Freude an der Produktion einer romantischen Komödie besteht darin, den Sinn einer Geschichte neu zu interpretieren und das, was als filmisch gilt, neu zu interpretieren. Anstelle des traditionellen Blockbuster-Terrains zeichnen Sie die bekannteren Folgen relationaler Missverständnisse auf. Romantische Komödien sind an die Relativität gebunden, und wirklich große romantische Komödien verstehen, dass diese Relativität aus der Spezifität erwächst. Viele neuere Beispiele dieses Genres scheitern jedoch daran, dass sie diesem Grad an Spezifität ausweichen, weil sie Angst haben, das Publikum in der Monotonie des Alltags gefangen zu halten. Rye Lane lehnt sich an diese wahrgenommene Monotonie an und belebt alles mit dem Versprechen einer neuen Liebe. Rye Lane spielt im Laufe eines Tages und begleitet Dom (David Jonsson) und Yas (Vivian Oparah), wie sie durch Südlondon wandern und sich neue, immer lächerlichere Wege ausdenken, Zeit miteinander zu verbringen. Sie nutzen lokale Wahrzeichen als zwischenmenschliche Trittsteine ​​und führen sich gegenseitig durch die physischen Ruinen ihrer eigenen romantischen Geschichte. Alles ist in scharfen, leuchtenden Farben eingefangen und spiegelt die Freude wider, die in jeder Ecke dieser Stadt verborgen ist. Aber das Farbschema ist nur eine Möglichkeit, wie Regisseurin Raine Allen-Miller mit der Verspieltheit der Dynamik von Dom und Yas umgeht. Sie inszeniert aufwändige Inszenierungen, um ihre aufkeimende Beziehung zu festigen: Ein Kino voller Doms, die Yas leidenschaftlich anfeuern, während sie ihre kürzliche Trennung nacherzählt, ist sowohl ein lustiger Witz als auch ein konstruktiver Charakter-Beat und zeigt zwei Menschen, die sich über eine gemeinsame Art, mit der Bewältigung umzugehen, verbinden . Allen-Miller experimentiert mit Fokus und Winkel der Kamera und wechselt zwischen den Extremen des Fischaugenobjektivs und Weitwinkelaufnahmen, um die verschwommene und geschäftige Textur der Stadt einzufangen. In ihrer Liebesgeschichte geht es darum, ihre Umgebung neu zu kontextualisieren, ein peinliches Gespräch zu belauschen und den amüsierten Blick des anderen zu suchen, Burritos am Stand in Brixton zu kaufen und den anderen für sich bestellen zu lassen. Jeder neue Ort ist ein Tor zum Verständnis der anderen Person, ein Anstoß für eine neue Geschichte. Auf diese Weise schafft Rye Lane eine liebevolle, transportierende Kulisse. Dank Rye Lanes Spezifität und Sorgfalt für seine zentrale Beziehung hat Allen-Miller eine der besten britischen Komödien – sicherlich einen der besten Londoner Filme – des letzten Jahrzehnts gedreht. – Anna McKibbin

Saint OmerErscheinungsdatum: 13. Januar 2023Regie: Alice DiopStars: PG-13Laufzeit: 122 Minuten

In der größtenteils weißen Küstengemeinde Berck-sur-Mer, eingebettet im nördlichsten Teil Frankreichs, sticht der Literaturprofessor Rama (Kayije Kagame) heraus. Das liegt in erster Linie an ihrer Hautfarbe, einer satten, makellosen Pekannussfarbe, die im auffälligen Kontrast zu den haferflockenfarbenen Einheimischen der Stadt steht. Aber da ist auch die Tatsache ihrer Größe, ihrer statuarischen Gestalt. Als sie zum ersten Mal in Berck ankommt, verdrehen die Leute den Kopf. Im besten Fall sind sie von Ramas stählerner Schönheit verblüfft. Im schlimmsten Fall sehen sie sie einfach wegen ihrer Schwärze. Ramas Außenseiterstatus ist von zentraler Bedeutung für ihre Rolle in Saint Omer, dem neuesten Film der senegalesischen Filmemacherin Alice Diop und der Abkehr von ihrem traditionellen Modus als Dokumentarfilmerin. Wie Frederick Wisemans „A Couple“ verbindet Saint Omer Fiktion mit Fakten; Es basiert auf dem schrecklichen Fall von Fabienne Kabou, die 2016 vor Gericht stand, weil sie ihr 15 Monate altes Kind bei Flut bis zum Tod am Strand zurückgelassen hatte. Diop nahm an der Verhandlung teil und die Erfahrung hinterließ eindeutig einen Eindruck bei ihr. Saint Omer betrachtet Kabous Verbrechen und die sich daraus entwickelnde Geschichte aus der Perspektive von Mutterschaft und Tochterschaft und argumentiert, dass keines von beiden voneinander getrennt werden kann. Wie Diop reist Rama nach Berck, um dem Prozess gegen eine Frau beizuwohnen, die des Mordes an ihrem 15 Monate alten Kind beschuldigt wird. Hier handelt es sich um Laurence Coly (Guslagie Malanga), eine Studentin und senegalesische Einwanderin. Und wie Diop beabsichtigt Rama, Laurences Grenzüberschreitung in eine narrative Fiktion umzuwandeln, als eine Nacherzählung der Geschichte von Medea. Natürlich behandelt Saint Omer Laurence nicht als Monster. Diop schält im Film eine Schicht nach der anderen von der Menschlichkeit ab, konfrontiert Laurences schreckliche Tat frontal und mit klarem Blick, während sie ihre Urteile, die sie mit Scheuklappen trifft, schont. Es gibt eine Version von Saint Omer, in der der Horror des Themas dem Horror als Genre Platz macht; Diop hat sich stattdessen für eine geradlinige Interpretation einer widerlichen Tragödie entschieden, bei der das Einzige, was schwerer zu verdauen ist als Kindermord, die Erkenntnis ist, dass jemand, der von Ramas Zweifeln belastet ist, kaum etwas anderes tun kann, als zu lernen, mit ihnen zu leben. – Andy Crump

Wird angezeigt. Erscheinungsdatum: 7. April 2023. Regie: Kelly Reichardt. Darsteller: Michelle Williams, Hong Chau, Judd Hirsch, André Benjamin, Heather Lawless, Amanda Plummer. Bewertung: R. Laufzeit: 108 Minuten

Zwei Jahre nachdem ihr berührender Film „First Cow“ in die Kinos kam, weicht Kelly Reichardt nicht von der Kulisse des pazifischen Nordwestens ab, in der vier ihrer anderen Filme spielen. Diesmal tauscht sie das Oregon County aus dem 17. Jahrhundert gegen das heutige Oregon College of Art and Craft in Portland, wo ihre verärgerte Hauptdarstellerin Lizzie (Michelle Williams) nebenberuflich arbeitet. Wenn sie nicht arbeitet, fertigt Lizzie unheimliche, starre Porträts von Frauen in unzusammenhängenden Posen an, sei es in Aquarell auf Papier oder in greifbarem Ton. Letzteres ist das Medium, das sie für die Präsentation in einer kommenden Ausstellung ausgewählt hat. Doch bevor Lizzie ihren großen Tag erreichen kann, muss sie sich durch einen Wirbelsturm des Chaos kämpfen: ihre dysfunktionale Familie; die umstrittene Beziehung zu ihrem Vermieter, Nachbarn und Künstlerkollegen Jo (Hong Chau); und eine arme, verletzte Taube, die ihre Katze Ricky eines Nachts quälte. In ihrer vierten Zusammenarbeit mit Reichardt ist Williams besser als je zuvor. Diesmal möglicherweise übertrieben mit dem Make-up einer gewöhnlichen Frau, zeigt Williams in Reichardts Werk immer noch am besten, wie sehr sie als Schauspielerin verkörpert sein kann. Jeder Seufzer, den sie ausstößt, fühlt sich an, als würden sie von Gewichten nach unten gezogen, es tut weh, ihre krumme Haltung anzusehen; Ihre Erschöpfung prallt von der Leinwand ab und infiziert das Publikum wie eine Krankheit. Und auch wenn sie sich so aufgemacht hat, dass sie nicht wie eine Schauspielerin aussieht, ist es vor allem die Körperlichkeit ihres Auftritts und die Offenheit ihrer Dialoge, die sie als Lizzie, eine kämpfende Künstlerin, glaubwürdig macht. Es gibt nie einen Moment, in dem Michelle Williams während der Aufführung einen Fehler macht. Aber sie ist auch überraschend drollig, denn Reichardt und sein Co-Autor Jonathan Raymond haben eine Reihe komischer Zeilen in Williams perfekter Trockenheit verfasst. Lizzie scheint der neue Höhepunkt der durchweg fruchtbaren Beziehung zwischen Williams und Reichardt zu sein. Seit „Wendy und Lucy“ aus dem Jahr 2008 erreicht jeder Teil eine weitere Stufe, in der die beiden die Synchronizität zwischen Künstler und Muse weiter vertieft haben. Wie Lizzies lückenhafte Figuren fixiert Reichardts Kamera verdeckte Körperteile und ruckartige Zooms, während sie Lizzie dabei begleitet, wie sie sich inmitten einer fast komischen Reihe von Rückschlägen auf ihren Premierenabend vorbereitet. Allerdings zeugt die durchgehende Linie, die sich durch den ganzen Strudel von Lizzies Leben zieht, von kreativer Unsicherheit. Es zeigt sich darin, wie Lizzie sich verhält, wie sie über ihre Kunst spricht und wie sie mit anderen spricht. Es ist die leichte, minimalistische Note von Reichardts Atmosphäre und ihre Pflege zwischenmenschlicher Feinheiten, die eine überwältigende emotionale Intensität erzeugt, als Lizzie schließlich ihre Arbeit in der Galerie ausstellt. Eine einzelne, kleine Figurenreihe inmitten eines großen, leeren Raums. – Brianna Zigler

Rauchen verursacht Husten. Erscheinungsdatum: 31. März 2023. Regie: Quentin Dupieux. Darsteller: Gilles Lellouche, Vincent Lacoste, Anaïs Demoustier, Jean-Pascal Zadi, Oulaya Amamra, David Marsais, Adèle Exarchopoulos, Grégoire Ludig, Doria Tillier, Jérôme Niel, Blanche Gardin. Alain Chabat, Benoît Poelvoorde Bewertung: NR Laufzeit: 80 Minuten

Nachdem er sich ein halbes Jahrzehnt lang auf konzeptionelle Albernheiten wie die Riesenfliegen-Tragikomödie Mandibles und den Lederjacken-Thriller Deerskin konzentriert hat, folgt Dupieux seinen lächerlicheren Impulsen, indem er die Mitternachts-Horror-Anthologie bis Samstagmorgen laufen lässt und Blut und Gelächter in einem vermischt liebenswürdige, luftige Komödie. Die Tobacco Force, eine Supergruppe von „Rächern“, die durch Karzinogene verstärkt werden, bildet den Rahmen des Films. Sie sind eine Tokusatsu-Parodie im Stil der Power Rangers und ähneln Dupieux‘ Danger 5 – eine Retro-Satire der Form, die darin schwelgt, wie verzweifelt erwachsen so viele ihrer jugendlichen Ausgangsmaterialien sind. Während „Danger 5“ den Sexismus und die sich wiederholende Handlung der Spionage-/Abenteuerserie zum Running Gag machte, nutzt „Smoking Causes Coughing“ auffällige Farben und häufige Blutspritzer für sein heldenhaftes Team. Aber „Rauchen verursacht Husten“ vermeidet es, die selbstbewussten Bemerkungen von „The Boys“ oder „The Suicide Squad“ über hautenge Kostüme, selbstbewusste Unreife oder verrückte Schurkenpläne zu wiederholen, indem es die Aufmerksamkeit völlig vermeidet. Stattdessen lehnt es sich an die Low-Fi-Pulp-Ästhetik des Billigfernsehens und die unbeholfene Clownerie an, die Dupieux‘ Art von komischer Inkompetenz eigen ist. Dupieux gedeiht in harmloser Dummheit. Rauchen führt zu Husten und spielt mit diesen Stärken eine Rolle, da es sowohl überaus albern als auch unvorhersehbar und süchtig machend leicht ist. Die Komödie fließt sorglos in ihre verschachtelten Geschichten hinein und wieder heraus und wirkt wie ein loses Schaufenster für all die albernen, Horror-nahen Ideen, die Dupieux im Zusammenhang mit der Pandemie hatte. Da die Superhelden, die diese Geschichten erzählen, selbst seltsame, verkümmerte Cartoons sind, sind ihre schrecklichen Fabeln entschieden absurder als alles andere; Denken Sie an Drunk History, aber dafür, dass er das Geschwafel eines kleinen Kindes in blutige Kurzfilme verwandelt. Im Mittelpunkt steht ein gedankenfördernder Helm, der seine Trägerin logischerweise dazu bringt, ihre dummen Freunde anzugreifen. Ein anderer, erzählt von einem unerklärlich sprechenden Barrakuda, handelt vom besten Holzhacker-Witz seit Fargo. Der rote Faden, der diese Geschichten von der Seite des Trottels verbindet, ist der umgangssprachliche, absichtlich unausgegorene Dialog, der die Diskrepanz zwischen dem grausamen Inhalt und der kindischen Darstellung betont. Natürlich ist „Rauchen verursacht Husten“ zu entspannt, um viel mehr als eine abendfüllende Rauchpause vom heftigeren Unsinn in der Fabrikhalle zu sein. Aber für diejenigen mit einem surrealen Sinn für Humor: Hängen Sie das Schild mit der Aufschrift „Zum Mittagessen gegangen“ auf und genießen Sie Ihre von der Gewerkschaft vorgeschriebene 80-minütige Dosis französischer Komödie. – Jacob Oller

Spider-Man: Across the Spider-VerseErscheinungsdatum: 2. Juni 2023 Regie: Joaquim Dos Santos, Kemp Powers, Justin K. Thompson Darsteller: Shameik Moore, Hailee Steinfeld, Oscar Isaac, Issa Rae, Jason Schwartzman Bewertung: PG Laufzeit: 136 Protokoll

„Spider-Man: Across the Spider-Verse Webs“ begibt sich in eine weitaus abgestumpftere Welt, die mit Superhelden-Fortsetzungen und insbesondere Multiversum-Storytelling überfüllt ist. Und doch setzt „Spider-Man: Across the Spider-Verse“ ein und wischt mit seinen Genre-Brüdern erneut den Boden auf, indem es eine Fortsetzung präsentiert, die sowohl dynamisch als auch zutiefst emotional ist. Das Drehbuch von Phil Lord, Christopher Miller und Dave Callaham („Shang-Chi und die Legende der zehn Ringe“) baut geschickt auf den bereits etablierten Charakteren, ihren Beziehungen und den anhaltenden Konsequenzen aus dem ersten Film auf, um deren Leben weiter zu erforschen heimliche Teenager-Superhelden Gwen Stacy (Hailee Steinfeld) und Miles Morales (Shameik Moore) ein Jahr nach dem ersten Film. Die Autoren tun dies mit der klaren Absicht, sich nicht nur optisch zu verbessern, sondern auch das Spiel der mittlerweile bekannten Multi-Timeline-Tropen zu verbessern. Zusammen mit den Talenten des Regieteams Joaquim Dos Santos („The Legend of Korra“), Kemp Powers („Soul“) und Justin K. Thompson („Into the Spider-Verse“) strebt Across the Spider-Verse – auf ganzer Linie – nach den filmischen Grenzen in der seltenen Fortsetzung, bei der es sich anfühlt, als wäre jedes Bild mit der Absicht erstellt worden, jedes Quäntchen an visuellem Wunder und emotionaler Wirkung herauszuholen, das die Animatoren, die Darsteller und das Medium selbst erreichen können. Die hybride Computeranimation trifft auf handgezeichnete Techniken, die in den ersten Filmen etabliert wurden, und kehrt mit einer eleganteren Ausführung zurück, die das Auge etwas schont, was es den Animatoren ermöglicht, mit ihrer Palette an Techniken und charakterzentrierten Präsentationen noch ehrgeiziger zu werden. Die Tiefe und Breite der Animations- und Illustrationsstile sind atemberaubend. Es gibt Rahmen, in die man sich einfach hineinversetzen möchte, sie sind so wunderschön gerendert und konzipiert. Wenn es Kritik gibt, dann ist es, dass die eher aktionsorientierten Sequenzen fast zu detailliert sind, sodass die unglaubliche Arbeit der Animatoren so schnell aus dem Bild verschwindet, dass man das Gefühl hat, nicht in der Lage zu sein, alles, was auf einen zukommt, vollständig zu würdigen. Als mittlerer Film der Trilogie (Spider-Man: Beyond the Spider-Verse soll 2024 in die Kinos kommen) ist es eine Freude, sagen zu können, dass „Across the Spider-Verse“ aufgrund seiner Vorzüge gut für sich steht seine Geschichte und Einsätze. Es gibt auch einen Killer-Cliffhanger, der die Bühne für ein drittes Kapitel bereitet, das nicht das Gefühl hat, das Publikum zu betrügen, wie es einige andere aktuelle Filme getan haben (hust, Dune, hust). Tatsächlich klingt das wiederholte Ansehen von „Across the Spider-Verse“, um die Lücke bis zum letzten Teil im nächsten Jahr zu schließen, nach einer großartigen Möglichkeit, diesen Film so zu genießen, wie er es so sehr verdient. – Tara Bennett

NOCH: Ein Film von Michael J. Fox. Erscheinungsdatum: 12. Mai 2023. Regie: Davis Guggenheim. Bewertung: R. Laufzeit: 94 Minuten

Ob aufgrund seines allgegenwärtigen Status als Promi/süßer Kerl aus den Filmen „Familienbande“ und „Zurück in die Zukunft“ in den 80er und 90er Jahren oder aufgrund seiner mehr als zwei Jahrzehnte währenden Tätigkeit als öffentliches Gesicht/Anwalt für die Parkinson-Krankheit, Fox fühlt sich auf jeden Fall als einer von ihnen die am häufigsten „gesehenen“ Persönlichkeiten der Welt. Er hat außerdem vier Memoiren geschrieben, die seine Karriere, sein Familienleben und sein Leben mit der Parkinson-Krankheit behandeln. All das wirft die Frage auf: Was kann ein Dokumentarfilm noch über sein Leben erzählen? Die Antwort lautet „reichlich“, wie in „STILL: A Michael J. Fox Movie“ von Regisseur Davis Guggenheim („Eine unbequeme Wahrheit“) bewiesen wird. Der intime, aber spritzige Dokumentarfilm gibt dem 61-jährigen Schauspieler die Möglichkeit, dem Publikum einen unbeirrbaren, witzigen und selbstironischen Einblick in sein bisheriges Leben zu geben. Im Gegensatz zu anderen aktuellen Promi-Dokumentationen, die mit der Stimme und mit Zustimmung ihrer Protagonisten erzählt werden, wie Tina (2021) und HBOs kommender Film „Love to Love You, Donna Summer“ (2023), leidet STILL: A Michael J. Fox Movie nicht unter Gefühlen als ob es stark kuratiert oder sogar zensiert wäre, um sensible Themen zu vermeiden. Man muss Fox zugute halten, dass er unerschrocken die Fehler in seinem Leben beurteilt, von seinem frühen groben Verhalten, das mit dem Ruhm einherging, bis zu seinem Alkoholismus, der darauf zurückzuführen war, dass er versuchte, seine Diagnose zu verbergen. Und selbst mit einer knappen Laufzeit von 95 Minuten schafft es Guggenheim, den Dokumentarfilm so zu steuern, dass er die Lebensspanne von Fox gleichmäßig und maßvoll abdeckt. Nichts fühlt sich besonders überflogen an, und die Verwendung von so viel Film- und Archivmaterial hat den zusätzlichen Vorteil, dass sein gesamtes öffentliches Leben und seine gesamte Karriere in ein intimeres Verständnis des tatsächlichen Mannes umgewandelt werden. STILL ist ein beeindruckender, inspirierender und manchmal herzzerreißender Blick auf Fox‘ weitere Reise, der umso eindringlicher wird, als er in seiner Stimme erzählt wird. –Tara Bennett

Die Kuh, die ein Lied in die Zukunft sang. Erscheinungsdatum: 19. Mai 2023. Regie: Francisca Joy. Darsteller: Leonor Varela, Mia Maestro, Alfredo Castro, Marcial Tagle, Enzo Ferrada, Luis Dubo. Bewertung: NR. Laufzeit: 98 Minuten

Magischer Realismus trifft auf die reale Bedrohung einer Umweltkatastrophe in „Die Kuh, die ein Lied in die Zukunft sang“, dem Spielfilmdebüt der chilenischen Regisseurin Francisca Alegría nach dem Erfolg ihres Kurzfilms „And the Whole Sky Fit in the Dead Cow's Eye“ aus dem Jahr 2017. Obwohl sich der Film manchmal langatmig anfühlen kann – ein häufiges Dilemma beim Übergang von Kurzfilmen zu Spielfilmen –, ist er eine berauschende und hypnotische Parabel auf den irreparablen ökologischen Schaden, den Menschen angerichtet haben, und betont gleichzeitig, dass es noch nicht zu spät ist, sich damit zu verbinden und sich damit zu versöhnen Land, das uns nährt. Als die giftigen Abwässer einer Zellulosefabrik den Cruces River im grünen Süden Zentralchiles zu verschmutzen beginnen, sterben Fische in Scharen. Während ihre Leichen auf dem treibenden Wasser treiben und an Land gespült werden, scheint eine eindringliche Hymne ihren leblosen Lippen zu entkommen. „Komm nah zu uns“, rufen sie dröhnend im Gleichklang. „Ist das Ende nah?“ Gerade als ihre eindringliche Melodie zu Ende geht, springt eine Frau namens Magdalena (Mia Maestro) aus den Tiefen des Wassers, ihr langes Haar fällt über eine Lederjacke und ihre Hand umklammert einen Motorradhelm. Sie schnappt nach Luft und kriecht aus dem Fluss, während sie immer noch Wasser hustet. Es stellt sich heraus, dass sie Jahrzehnte zuvor in genau diesen Gewässern gestorben ist – ihr Tod wurde von der örtlichen Polizei als Selbstmord gewertet – und dass sie noch eine unerledigte Angelegenheit mit der Familie hat, die während ihrer längeren Abwesenheit erwachsen geworden ist und weitergezogen ist. Als sie in ein Elektronikgeschäft geht, um vor ihrer zukünftigen Witwe (Alfredo Castro) zu erscheinen, erleidet dieser sofort einen akuten Herzinfarkt. Cecelia (Leonor Varela) ist besorgt über die hysterische Beharrlichkeit ihres Vaters, dass ihre tote Mutter aus dem Grab zurückgekehrt sei, und bringt ihre beiden Kinder mit, um einige Zeit mit ihr auf der Milchfarm der Familie zu verbringen, während sie sich um den alternden Patriarchen kümmert. Sie wissen nicht, dass auch die Kühe ein Lied zu singen haben und Magdalenas Anwesenheit mehr ist als die Erscheinung eines alten Mannes. Obwohl die Prämisse auf einen Horrorfilm hindeutet, wagt sich „Die Kuh, die ein Lied in die Zukunft sang“ nie an übernatürliche Rache. Stattdessen bezieht der Film die Schrecken der Welt um uns herum – ökologische, politische, häusliche – ein, um eine moderne Fabel über immense Schuld zu erschaffen, die sich im Laufe der Zeit langsam in lähmende Verleugnung verwandelt, komplett mit einer Lösung, die die wohlhabende Kraft der Sühne fördert. „Die Kuh, die ein Lied in die Zukunft sang“ ist Alegrías Behauptung, dass wir nur vorankommen können, wenn wir uns offen dem stellen, was wir zuvor verletzt haben, und es schützen. Trotz des vorherrschenden verzweifelten Umweltnihilismus ist die Hoffnung noch lange nicht verloren – es liegt in der Natur der Erde, neues Leben hervorzubringen und zu unterstützen, ein Akt der Kultivierung, der durch menschliches Eingreifen entweder enorm gefördert oder unterdrückt wird. Es ist noch nicht zu spät, den Schaden, den wir bereits angerichtet haben, zu konfrontieren, einzuschätzen und zu mildern, solange wir nicht zu feige sind, zuzugeben, dass wir ernsthafte Fehler gemacht haben. – Natalia Keogan

EinhornkriegeVeröffentlichungsdatum:10. März 2023Direktor:Alberto VazquezSterne:Jon Goiri, Jaione Insausti, Ramón Barea, Txema Regalado, Manu HerasBewertung:NRLaufzeit:92 Minuten

Wer hätte gedacht, dass ein Animationsfilm voller Sonnenschein, Regenbögen, Kuscheln und Teddybärenschwänzen so düster sein könnte wie Unicorn Wars? Vielleicht ist dieser letzte Listenpunkt ein Warnzeichen. Für einen größeren Indikator schauen Sie sich den Regisseur an: Alberto Vázquez, der Kopf hinter Birdboy: The Forgotten Children aus dem Jahr 2015. Zusammen ergeben diese Filme einen schönen Doppelfilm aus Grotesken, obwohl „Birdboy“ im Vergleich zu „Unicorn Wars“ eine Episode aus der „Sesamstraße“ ist. Eine Geschichte über Drogenabhängigkeit, korrupte Behörden und den Zusammenbruch der Umwelt klingt auf dem Papier düster und wirkt auf der Leinwand düster, aber Unicorn Wars ist mehr als „düster“. Es ist verrückt. Verbrannte Erde und religiöse Vorurteile verbinden diese beiden Filme. In „Unicorn Wars“ folgt Ersteres weit nach Letzterem, einem tief verwurzelten Glauben daran, dass Gott einer der treibenden Faktoren für viele Konflikte zwischen verfeindeten Fraktionen ist: friedliche, im Wald lebende Einhörner und kriegstreibende Teddybären. Das ist keine Metapher. Es gibt buchstäblich Teddybären. Die Bären werden von faschistischen harten Bären regiert, die ihren Status aus der Aufrechterhaltung des Krieges ableiten. Das heißt aber nicht, dass der Film zu ernst ist, um seinen Toilettenhumor zu genießen. Aber Unicorn Wars verpackt große, bedeutungsvolle Themen sorgfältig in ein mit Süßigkeiten überzogenes Paket und verwendet Delirium als Luftpolsterfolie, um den Inhalt sicher zu halten. Die fließende Handwerkskunst ist ebenso beeindruckend wie Vázquez‘ Talent für Trojanisches Pferd. Er verwandelt Metaphern über die menschliche Verfassung in einen Film über Teddybären, die Einhörner abstechen, und über Einhörner, die Teddybären aufspießen. Wenn das das ganze Bild wäre, dann wäre „Unicorn Wars“ immer noch sehenswert als eine Übung in Filmen mit schlechtem Geschmack und Gonzo-Animation, wie eine erweiterte Episode von „Happy Tree Friends“, die mit echtem Können erstellt wurde. Doch so lächerlich es auch klingen mag, hinter Vázquez' neon- und blutgetränkter Vision steckt mehr, als seine grodigen Details auf den ersten Blick verraten. So offensichtlich schlüpfrig sein Film auch sein mag, unter dieser Oberfläche ist er geradezu biblisch. – Andy Crump

Walk Up Erscheinungsdatum: 7. April 2023 Regie: Hong Sang-soo Darsteller: Kwon Hae-hyo, Lee Hye-young, Park Mi-so, Song Seon-mi Bewertung: NR Laufzeit: 97 Minuten

Die sozialen Einflüsse der eigenen Umgebung – insbesondere der verschiedenen Wohnungen, in denen wir leben – dienen in „Walk Up“ des südkoreanischen Regisseurs Hong Sang-soo als cleverer Rahmenmechanismus. Konkret besucht der Film jede Etagenwohnung eines bestimmten Gebäudes, wobei die Charaktere geschickt zwischen den einzelnen Wohnungen hin- und herwechseln, während sie mit persönlichen Arbeitsproblemen und schwankenden Beziehungsspannungen zurechtkommen. Während Hong sich von Grund auf durch das Gebäude bewegt, verändern sich die zwischenmenschlichen Verbindungen zwischen den Charakteren – Romanzen blühen auf und lösen sich auf, familiäre Bindungen stärken und lösen sich auf, die Dynamik der Mietmacht versüßt sich, bevor sie sauer wird – bis sie schließlich zurückgesetzt wird und bereit ist, sich erneut zu entfalten. Der Filmemacher Byung-soo (Kwon Hae-hyo) und seine Tochter Jeong-su (Park Mi-so) erreichen ein Gebäude, das Frau Kim (Lee Hye-young), einer alten Freundin des Regisseurs, gehört. Frau Kim führt die beiden durch das dreistöckige Gebäude, in dem sich im Untergeschoss ihr eigenes Arbeitsstudio, im ersten Stock ihr eigenes Wohnhaus, ein gemütliches Restaurant einer Frau namens Sunhee (Song Seon-mi) und ein … befinden Von einem zurückgezogen lebenden Künstler gemietete Wohnung im obersten Stockwerk. Nachdem sie jede Einheit kurz betreten haben (und dabei wahrscheinlich gegen ein paar Mietverträge verstoßen haben), ziehen sich die drei in Frau Kims Wohnung zurück, um einen Abend lang ausgiebig Wein zu trinken. Während die junge Frau sich auf den Weg macht, um mehr Wein aus einem Supermarkt zu holen, beginnt der nächste Abschnitt damit, dass Byung-soo, Frau Kim und Sunhee in dessen Restaurant essen, wobei wir die These des Films über Kunst, Finanzierung und die allgemeine Unmöglichkeit wiederfinden dass die beiden – Kreativität und Kapital – nebeneinander existieren. „Für sie ist ein Film lediglich eine Möglichkeit, Geld zu verdienen“, beklagt Byung-soo betrunken, als er verrät, dass bei seinem neuesten Film nur wenige Wochen vor Produktionsbeginn der Stecker gezogen wurde. „Geld ist der einzige Maßstab, um etwas zu beurteilen.“ Es ist klar, dass Hong mit einigen persönlichen Enttäuschungen zu kämpfen hat, was seinen eigenen Maßstab für „Erfolg“ betrifft. Als „Walk Up“ zu Ende geht, erscheinen alle Charaktere vor dem Gebäude. Sie sind entweder auf dem Weg woanders hin, erscheinen zu einem überfälligen Besuch oder kehren zurück, um drinnen Arbeitsaufgaben zu erledigen. Dieser Aufbau spiegelt den Anfang des Films wider, und Beziehungen, die seitdem gefestigt oder aufgegeben wurden, schienen auf wundersame Weise wieder in ihre ursprüngliche Dynamik zurückzukehren. Hat Hong einfach den Kreis geschlossen und diese Personen dazu gebracht, die vorherigen Ereignisse noch einmal zu durchleben und vielleicht andere Entscheidungen zu treffen? Oder führt die Erstickung unserer kleinen Räume dazu, dass wir gefühllos und egozentrisch werden? Erlaubt uns das Verlassen unserer intimsten Räume, Möglichkeiten zu nutzen, die wir seitdem für verschlossen oder unmöglich gehalten haben? Ohne den drohenden Druck der Miete, der Arbeit von zu Hause aus und ungezwungener Geschäftstreffen schlägt Hong vor, dass wir vielleicht endlich frei sein könnten. – Natalia Keogan

You Hurt My Feelings Erscheinungsdatum: 26. Mai 2023 Regie: Nicole Holofcener Darsteller: Julia Louis-Dreyfus, Tobias Menzies, Michaela Watkins, Owen Teague, Arian Moayed, Jeannie Berlin Bewertung: R Laufzeit: 93 Minuten

Beth (Julia Louis-Dreyfus) hört zufällig, wie ihr Therapeut-Ehemann Don (Tobias Menzies) eine ehrliche und negative Bewertung ihres in Arbeit befindlichen Romans abgibt, nachdem er von ihm viele Entwürfe voller Zuspruch erhalten hat. Diese Prämisse (oder etwas Ähnliches) wurde wahrscheinlich in mindestens drei Sitcoms verwendet; selbst hier ist mit Louis-Dreyfus einer der größten Künstler dieser Form vertreten. „Aber You Hurt My Feelings“ wurde ebenfalls von Nicole Holofcener geschrieben und inszeniert, einer Expertin darin, die unsichtbaren Spannungen aufzudecken, die hinter sozialen und Beziehungsfeinheiten lauern. Ihr neuster Film ist sehr lustig; Was noch beeindruckender ist: Es verwandelt das, was 22 Minuten voller Missverständnisse und Lektionen hätte sein können, in echte Suche; Es stellt sich heraus, dass Tobias auch beruflich unsicher ist, und das nicht ohne Grund. Sind wir also tatsächlich so gut in unserem Job (und in unseren Leidenschaften!), wie wir es uns vorstellen, oder sind wir alle nur unsichere, inkompetente Menschen, die sich auf das gedankenlose, unehrliche Lob unserer Lieben stützen? Die Antwort liegt wahrscheinlich irgendwo dazwischen, aber Holofcener ist klarsichtig genug, um Letzteres überraschend ausführlich zu berücksichtigen. – Jesse Hassenger

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