Im Jahr 2022 erwachte das Fernsehen aus dem amerikanischen Traum

Oct 13, 2023

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Wie das Fernsehen des Jahres 2022 den seltsamen, verzerrenden Druck von Arbeit und Ehrgeiz in einer Boom-and-Bust-Wirtschaft darstellte.

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Von James Poniewozek

In der Peacock-Serie „Killing It“ wird Brock (Scott MacArthur), ein Schlangenjäger aus den Everglades und angehender YouTube-Influencer, bei einer Auseinandersetzung um einen Sack voller Python-Eier ins Gesicht geschossen. Es ist das Beste, was ihm je passiert ist.

Durch die Schießerei fehlt Brock ein Auge. Aber es wird auf Video festgehalten und der Upload wird millionenfach angeschaut, was ihm den lukrativen viralen Erfolg beschert, den er sich schon seit Jahren gewünscht hat.

„Amerikanischer Traum!“ sagt er strahlend. „Ins Gesicht geschossen werden!“

Im Fernsehen war 2022 das Jahr des amerikanischen Traums – mit einem Haken. Für viele der Stricher, Unternehmer und Kämpfer auf der Leinwand existiert dieser Wunsch immer noch. Aber wie Brock erfahren musste, kann es einen einen wichtigen Teil seiner selbst kosten.

„Killing It“, kreiert von Dan Goor und Luke Del Tredici aus „Brooklyn Nine-Nine“, verschwand im vergangenen Frühjahr unter dem Radar vieler Fernsehzuschauer, darunter auch meiner Schuld. In der ersten Folge wirkt es wie eine einfache, verrückte Kumpelkomödie: Craig Foster (Craig Robinson), ein Sicherheitsbeamter aus Florida, der davon träumt, ein Unternehmen für Prostatapräparate zu gründen, tut sich mit der Mitfahrgelegenheitsfahrerin Jillian Glopp (Claudia O‘ Doherty) in einem Wettbewerb zur Ausrottung invasiver Pythons.

Aber im Laufe der Saison wird es zu einer breit angelegten, groß angelegten Satire auf eine kontroverse Wirtschaft, die gleichzeitig zu boomen und zu kollabieren scheint. (Tim Heidecker hat eine ausgelassene Wendung als testosterongepumpter Motivationsredner, der die Philosophie von „Dominine“ predigt, die mehr ist als „dominieren“.)

Während Craig, Jillian und ihre Gegner sich ihrer Beute nähern, einen Fuß toter Python nach dem anderen, geben sie uns einen Rundgang durch die Fata Morgana des Strichers, in der das Versprechen von Reichtümern am Horizont schimmert, die ganz Ihnen gehören, wenn Sie nur zu einer davon gehen mehr bezahlte Konferenz, Pitch zwei weitere Investoren, drei weitere Jobs annehmen.

Die Arbeitserfahrung von Jillian, einer australischen Einwanderin, ist besonders düster-komisch. Sie fährt einen Uber, der eine mobile Werbetafel hinter sich herzieht (die ihr gleichzeitig als Zuhause dient), bekommt einen Job bei TaskRabbit, um einer reichen Frau (D'Arcy Carden) dabei zu helfen, ein Steuerbetrugsprogramm zu begehen, und nimmt einen Job als Vogelmord auf einem Flughafen an, alles mit einem herzzerreißend heitere Aufbruchstimmung.

Die Komödie ist grotesk und unverblümt – Craig verbringt eine Episode mit einer toten Schlange, die an seine Handfläche genagelt ist –, aber hinterhältig klug. Auf dieser Jagd nach dem amerikanischen Traum, heißt es, muss jede Lebensform eine niedere Lebensform finden, die sie töten kann. Und obwohl die Serie im Jahr 2016 spielt, drei Jahre vor den ersten Anzeichen von Covid, wirkt sie durch ihren Fokus auf die Schicht der Arbeitskräfte, für die die Arbeit riskant, körperlich und persönlich ist, einer Pandemie nahe. Sie können über Zoom kein Uber fahren oder einer Python eine Nagelpistole in den Schädel schießen.

Die Pandemie spielt explizit in Staffel 2 von Starz‘ Stripclub-Melodram „P-Valley“ eine Rolle, in der es um einen Beruf geht, der durch persönliche Interaktion geprägt ist. Der Besitzer des Nachtclubs Pynk, Onkel Clifford (ein strahlender Nicco Annan), der nicht-binär ist und sie/ihre Pronomen verwendet, verbringt einen Großteil der Saison damit, eine juwelenbesetzte Maske zu tragen, um die Covid-Protokolle der Ära 2020 durchzusetzen und gleichzeitig zu versuchen, ihr Geschäft am Laufen zu halten 50 Prozent Kapazität.

Der Pynk ist ein Magnet für Träume, und zwar nicht nur für ungezogene. Die Schöpferin von „P-Valley“, die Dramatikerin Katori Hall, respektiert ihre Pole-Tänzer als Künstler und Sportler, und sie erkennt ihre Arbeit als das an, was sie ist: eine Arbeit, die die Wirtschaft greifbar manifestiert und Verlangen in durch die Luft fliegende Dollarnoten übersetzt.

Und weil Tänzer so schnell altern, zeigt der Job auch den Druck der Wirtschaft im Zeitraffer: Sie haben nur ein paar Jahre Zeit, um die Stange hinaufzusteigen, bevor Ihre ermüdenden Muskeln Sie wieder nach unten ziehen.

Jeder Tänzer betritt den Pynk mit einem Blick auf etwas anderes – ein Leben im Showbusiness, eine Geschäftskarriere oder einfach nur auf die Flucht –, aber eine der bewegendsten Reisen der zweiten Staffel gehört Mercedes (Brandee Evans), die erkennt, dass sie es erreicht hat Rentenalter, ohne ihren nächsten Schritt herausgefunden zu haben. „Du musst einfach lernen, neue Träume zu träumen“, sagt Onkel Clifford zu ihr. Das ist der Preis des Träumens: Sie können es sich nicht leisten, aufzuwachen.

Das überraschende Buzz-Phänomen des Sommers, FX auf Hulus „The Bear“, konzentrierte sich auf den Druck einer anderen Art von Dienstleistungsbranche. Carmy (Jeremy Allen White), ein erstklassiger Restaurantkoch, kommt nach dem Selbstmord seines drogenabhängigen Bruders nach Hause, um den angeschlagenen Sandwich-Laden seiner Familie in Chicago zu leiten. Die Pandemie spielt in der Geschichte keine Rolle. Aber die Darstellung der Arbeit in der Serie als eine Art kaum gezügelter Kampf (der manchmal in einen echten Kampf übergeht) wirkt wie eine maßgeschneiderte Lösung für die Wirtschaft nach der Wiedereröffnung, die von Arbeitskräftemangel und Lieferkettenproblemen geprägt ist.

Die einprägsamen, hohen Dezibel-Arbeitssequenzen lassen „The Bear“ wie eine Kriegsgeschichte aussehen und klingen, die zufällig in einer Küche spielt. Die Arbeit hier ist wütend, gewalttätig und unerbittlich. Flammen schlagen an den Rändern von Pfannen empor, Töpfe klappern wie Artillerie, Rindfleischstücke werden wie Opfer gezerrt und hochgehoben. Hände sind verbrannt, Finger aufgeschlitzt; Das Tempo der Vorbereitungen verwandelt das Küchenpersonal in schwitzende, schreiende Körper, die Fleisch kochen.

Währenddessen erinnert sich Carmy daran, wie er von seinem mit einem Michelin-Stern ausgezeichneten Chef in dem Restaurant, in dem er früher gearbeitet hat, verspottet und herabgesetzt wurde. Manchmal fragt man sich, warum er sich für diesen Job entscheidet, der ihn oft so unglücklich macht. Im Staffelfinale erinnert er sich an seinen Bruder bei einem Al-Anon-Treffen und scheint eine Antwort zu finden: Manchmal sind unsere Träume nicht nur unsere eigenen, noch sind sie nicht einmal unsere Wahl. „Als ich versuchte, das Restaurant zu reparieren, versuchte ich, das zu reparieren, was auch immer mit meinem Bruder passierte“, sagt er. „Und, ich weiß nicht, vielleicht die ganze Familie reparieren.“

In der Politik wird der „amerikanische Traum“ seit langem zielstrebig verwendet, um an Familie und Heimat zu erinnern. Aber wie meine Kollegin Jazmine Ulloa Anfang des Jahres ausführlich dargelegt hat, wird der Ausdruck in letzter Zeit auch bedrohlich verwendet, insbesondere von konservativen Politikern, um eine bestimmte Lebensweise zu beschreiben, die Gefahr läuft, von Außenstehenden gestohlen zu werden.

Das typische Gegenargument, sowohl in der Politik als auch in der Popkultur, war, dass Einwanderer, die ihre Ambitionen verfolgen, dazu beitragen, ganz Amerika zu stärken. (Der Traumakt hat seinen Namen nicht ohne Grund.) Aber einige neuere Geschichten haben diese Idee verkompliziert, indem sie in Frage gestellt haben, ob der Traum selbst – oder zumindest die Definition dieses Traums in überwiegend materiellen Begriffen – giftig sein kann.

Die dritte Staffel von Hulus „Ramy“, in der der Komiker Ramy Youssef als führungsloser junger Muslim aus einer Einwandererfamilie die Hauptrolle spielt, greift das Thema direkt auf. Die Eltern der Titelfigur, Maysa (Hiam Abbass) und Farouk (Amr Waked), fanden den Wohlstand verlockend unerreichbar und meldeten sich in ihrem mittleren Alter bei Mitfahr- und Lebensmittellieferungs-Apps an.

Maysa ist resigniert, aber Farouk bleibt in einer ergreifenden, unerwiderten Liebesbeziehung mit dem Traum. Er jagt Immobiliengeschäfte; Er gründet ein unglückliches Geschäft mit dem Verkauf von Werbeflächen auf Imbissbehältern. Er träumt davon, in „Shark Tank“ aufzutreten. (Ramy hat unterdessen im Schmuckgeschäft große Erfolge erzielt, indem er mit einigen Kontakten in Israel zusammengearbeitet hat, ist aber spirituell unsicherer als je zuvor.)

In der letzten Folge der Staffel erinnern sich Maysa und Farouk, nachdem sie auf einen Vorrat halluzinogener Pilze gestoßen sind, an ihre frühen Tage auf dem Land, als sie Ramy und seine Schwester mit Hotdogs fütterten, ohne zu wissen, dass sie Schweinefleisch enthielten. Bekifft rennen sie los, um im Convenience-Store Franken zu kaufen, beißen in die verführerischen, nicht Halal-Leckereien und stellen fest, dass sie ekelhaft schmecken. „Warum haben wir unsere Seelen verkauft?“ fragt Farouk. „Für Hot Dogs haben wir alles aufgegeben.“

Zuletzt betrachtet Hulus „Welcome to Chippendales“ – über eine andere Art kommerzialisierten amerikanischen Fleisches – den Einwanderungstraum aus der Perspektive des Erfolgs neu. Die Geschichte von Somen Banerjee (Kumail Nanjiani), dem Gründer des Stripper-Imperiums, passt in vielerlei Hinsicht zu der diesjährigen Flut an Betrugs- und Skandal-Dokudramen; Es handelt sich um eine Aufstiegs- und Fallserie, bei der der Fall weniger interessant ist und doppelt so lange dauert. (Der Schöpfer Robert Siegel hat uns Anfang des Jahres die Prothesen-Fantasie „Pam & Tommy“ geschenkt.)

Die Serie zeichnet sich jedoch dadurch aus, dass sie zeigt, wie der in Indien geborene Banerjee eine erlernte Vorstellung von amerikanischen Begierden nutzt, um eine überkommene Vorstellung vom amerikanischen Traum zu verfolgen. In gewisser Weise macht sein Außenseiterdasein seinen Erfolg möglich – vieles in Amerika ist für ihn neu, daher ist er empfänglich für neue Ideen (wie halbnackte Tänzer mit Fliegen).

Aber sein Bekenntnis zum Amerikanismus (zum Beispiel nennt er „Steve“ statt „Somen“) geht in zwei Richtungen. Er erlebt Rassismus vor und nach seinem großen Erfolg, aber er nutzt Diskriminierung auch als Geschäftstaktik und landet vor Gericht wegen eines Plans, schwarze Gäste auszuschließen (was, wie er aus Erfahrung schlussfolgert, dazu führen wird, dass weiße Kunden seinen Club als weniger angesehen sehen). "nobel").

Banerjee hat den amerikanischen Traum vielleicht zu sehr verinnerlicht. Eine erste Ahnung davon bekommt er, als er zur Beerdigung seines Vaters nach Indien zurückkehrt, seinen Koffer voller Elektronik- und Velveeta-Geschenke, in der Hoffnung, als überwältigender Erfolg gefeiert zu werden. Stattdessen schimpft seine Mutter mit ihm, weil er die Druckerei der Familie verlassen hat, um einen Fleischtopf zu betreiben. „Wir sind Leute aus der Mittelschicht, Somen“, sagt sie. „Wir brauchten keine Rettung durch Amerika.“

Er geht, belastet von Ablehnung und Schmelzkäse. Über die persönliche Enttäuschung seiner Mutter hinaus steht das Urteil, dass er aufgehört hat, er selbst zu sein, dass er dabei aber auch kein wirklich neuer Mensch geworden ist. Er ist lediglich ein Spiegelbild der Kunstfertigkeit einer anderen Kultur, eine Nachahmung einer Nachahmung.

Das ist die Gefahr des amerikanischen Traums, wenn man ihn von der nationalen auf die individuelle Ebene herunterskaliert. Sie riskieren, Ihr Leben dem Wunsch zu widmen, etwas zu wollen, weil Ihnen gesagt wurde, dass Sie es wollen sollten. Jeder liebt Aschenputtel-Geschichten, aber manchmal ist Ihr Traum in Wirklichkeit nur ein Wunsch, den jemand anderes im Herzen geäußert hat.

James Poniewozik ist der Chef-Fernsehkritiker der Times. Er schreibt Rezensionen und Essays mit Schwerpunkt auf dem Fernsehen, da es eine sich verändernde Kultur und Politik widerspiegelt. Zuvor war er 16 Jahre lang als Kolumnist und Kritiker für das Time Magazine tätig. @poniewozik

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